Un artista tras la pista

Corso

2010-10-28T01:03:00.001+12:00

Cabeza 6 estados - Head 6 states

2010-10-26T07:00:00.001+12:00

Desnudo con toalla - Nude with towel

2010-10-25T00:34:00.001+12:00

SIBILAS

2010-06-13T05:20:00.006+12:00

Escultor: Alonso Berruguete-1489-1561
MADERA POLICROMADA

Velocidad

2010-05-05T23:02:00.005+12:00

El lago

2010-05-01T20:48:00.003+12:00

"¡Mirad! También el lago semejante al Leteo,
Dormita entre las sombras con lento cabeceo,
Y del sopor consciente despertarse no quiere
Para el mundo que en torno lánguidamente
muere"
(Edgar Allan Poe-La Durmiente)

El Cielo Rey

2010-04-22T04:32:00.007+12:00

"... ahora sabe en qué modo se enamora
de un justo rey el cielo, y en el brillo
de su semblante así lo manifiesta."
(Dante, La Divina Comedia)

Joven y su dueña. Bartolomé Esteban Murillo

2010-04-11T02:30:00.007+12:00

Joven y su dueña, 1670.National Gallery de Washington: Óleo sobre lienzo 127,7 x 106,1 cm.

Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 31 de diciembre de 1617 - Cádiz, 3 de abril de 1682).

Murillo representa un profundo cambio en el gusto de los clientes del arte en la España del siglo XVII. Tras la severidad de naturalistas como Zurbarán, Maíno, el joven Velázquez, etc., Murillo proporciona imágenes bellas, iluminadas con suaves tonos dorados y rostros gentiles. Es el caso de esta pintura, realizada con frescura e ingenuidad. Muestra un tema muy explotado en la pintura española, como es el de la maja asomada a la ventana y acompañada de una mujer mayor. En el caso de Goya serán con frecuencia Celestinas exhibiendo a sus pupilas. En el caso de Murillo, la joven parece una muchacha del pueblo, con grandes ojos llenos de confianza y alegría. La dueña parece divertida por lo que ve en la calle y se tapa el rostro para ocultar la risa. La composición del lienzo es muy acertada: se basa en un ángulo recto acodado en la esquina inferior izquierda del marco. El ángulo está subrayado arquitectónicamente por el alféizar y la contraventana de madera, y así como por los personajes, con la jovencita apoyada y la dueña que se asoma. De este modo, gran parte del cuadro queda absolutamente vacío y la mirada del espectador se ve atrapada por las dos simpáticas figuras femeninas, que destacan contra un fondo oscuro sin iluminación ni referencias espaciales.

Magdalena. José de Ribera (El Españoleto)

2010-04-11T02:19:00.004+12:00

JOSE DE RIBERA (EL ESPAÑOLETO). Xátiva (1591) - Nápoles (1652).

Magdalena, 1640-41Óleo sobre lienzo 181 x 195 cm. Museo del Prado.

La imagen de mayor belleza pintada por Ribera es esta Magdalena penitente, que la tradición popular identifica con su hija Lucía, muchacha muy bella de la que se enamoró el hijo natural de Felipe IV, Don Juan José de Austria, cuando fue a Nápoles para sofocar una revuelta en 1647, naciendo una hija de la relación entre ambos. Como en todas las imágenes de penitentes, la escena se desarrolla en una especie de cueva que nos permite ver al fondo un paisaje inspirado en la Escuela veneciana. La composición se inscribe en un triángulo, dentro del clasicismo de Carracci, iluminando un fuerte haz de luz la bella figura. La Magdalena viste un traje azul muy escotado que permite ver su hombro, una especie de tela de arpillera para exculpar sus pecados y un precioso manto rojo. Se apoya sobre dos sillares perfectamente tallados en los que aparece el tarro de los afeites y el cilicio, sus atributos. El pasado de prostitución de la Magdalena se muestra en el hombro al descubierto y en el bote de los afeites con el que también ungió los pies a Cristo. La bella mirada elevada hacia Dios es también un rasgo característico de muchos de los mártires pintados por el Españoleto. Formaba parte de una serie junto a Santa María Egipciaca en la que se contraponía la belleza y la juventud frente a la vejez. San Juan Bautista y San Bartolomé representaban la contraposición en el sexo masculino.

El buen samaritano. Vincent van Gogh (según Delacroix)

2010-04-11T02:10:00.004+12:00

Vincent van Gogh 1853-1890

El buen samaritano (según Delacroix). Auvers, mayo de 1890. Óleo sobre lienzo, 73 x 60 cm. Otterlo, Rijksmuseum Kröller-Müller

Delacroix representaba para Van Gogh el santo patrón de su propia pintura y el fundador de la teoría del color. La sobria riqueza cromática de este cuadro nos recuerda al gran modelo. Los tonos más intensos, los característicos rojos y azules de Delacroix, están dispuestos en un ambiente de matices más neutros, tostados, hábilmente combinados entre sí mediante una graduación de intervalos de calor y frío, oscuridad y claridad. Al ritmo original del dibujo dinámico de Delacroix, van Gogh le añade una serie de pinceladas paralelas. Las formas arabescas y las curvas retorcidas del modelo se transforman en líneas quebradas; se trata, pues, de una ferviente traducción de la obra antigua al lenguaje pictórico «moderno». «Quisiera pintar cuadros que dentro de cien años aparezcan como una revelación. Pero no me gustaría conseguirlo con fidelidad fotográfica, sino a través de mi manera apasionada de ver las cosas, con ayuda de nuestros conocimientos y de nuestro gusto actual del color como medio de expresión y de profundización del carácter.» VINCENT VAN GOGH.

Santa Casilda. Francisco de Zurbarán

2010-04-11T01:51:00.010+12:00

Francisco de Zurbarán (1598-1664) . Posible autorretrato

Santa Casilda (s.f.). Colección ParticularÓleo sobre lienzo.

Santa Casilda (1640). Museo Thyssen Bornemisza. Óleo sobre lienzo 184 x 90 cm

Santa Casilda era hija de un rey musulmán y ayudaba en secreto a los cautivos cristianos de su padre, llevándoles víveres a las celdas. Una noche en que Casilda acudía a su socorro diario, fue descubierta. Su padre la interpeló acerca de lo que llevaba escondido en el regazo de la falda, a lo que la muchacha respondió que eran flores; milagrosamente, las viandas fueron convertidas en rosas y la princesa se salvó.Indirectamente, es la historia que recoge el pintor. No pinta toda la escena completa,sino que se limita a mostrar a la joven con sus rosas en la falda. Existe otra versión de Santa Casilda, cuyo rostro es muy similar; sin embargo, aquí la riqueza del atuendo es muy superior así como la gama de colores, con el vestido rojo adornado en plata y oro que contrasta alegremente con la estola violeta. Tal estallido de color encuentra su contrapunto en el fondo neutro de gamas sombrías, propio de la técnica tenebrista.

Tres cuadros de bañistas. Pierre-Auguste Renoir

2010-04-11T01:35:00.006+12:00

Pierre-Auguste Renoir 1841-1919

Bañista sentada, 1892 (Baigneuse assise). Óleo sobre lienzo, 81 X 65 cm,Nueva York, Colección Lehmann

Después del baño, 1888 (Après le bain). Óleo sobre lienzo, 65 X 54 cmTokio. Colección privada

Mujer después del baño, 1888 (Baigneuse après le bain).Oleo sobre lienzo, 81 x 66 cm.Washington, Colección David LloydKreeger

Después del llamado «perido seco», los desnudos de muchachas se convirtieron en el motivo preferido por Renoir. En gran medida, estos desnudos han marcado el concepto de su obra pictórica en la posteridad, jóvenes que se mueven en inocente desnudez, representadas casi todas al aire libre. Son muchachas, de un determinado tipo, las modelos preferidas por el artista. No intentaba revivir las reglas clasicistas de la proporción y construir pseudoantiguas y esbeltas figuras ideales en el sentido de la tradición académica. Para su canon de la belleza es decisivo un cuerpo relleno, redondeado y de anchas caderas. Eran para el pintor como hermosos animales, o como flores y frutas en su espléndida plenitud. Utilizaba a sus criadas al mismo tiempo como modelos, y todo lo que pedía era «que su piel reciba bien la luz». Lo más bello en una mujer le parecía – lo dijo él mismo sin rodeos – el trasero, aunque en otra ocasión expresó su criterio de que si Dios no hubiera creado los senos de la mujer, él no se habría hecho pintor. Alabar y enaltecer esos atractivos corporales constituyó el sentido principal de su producción artística tardía. Lo hacía sin el menor asomo de lascivia, con una – y perdónese la paradoja – casta sensibilidad, que tiene en sí misma algo animal, ingenuamente natural.

El sueño de la esposa del pescador. Katsushika Hokusai

2010-04-11T00:16:00.010+12:00

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Katsushika enpezó a pintar a los seis años edad. Nació en las afueras de Edo (antiguo Tokio), y al quedar huérfano a temprana edad, fue adoptado por un artesano. Trás aprender el oficio de grabador y xilógrafo, entró como aprendiz de pintor. Hacia 1797 adoptó el nombre de Hokusai y comenzó la época de su apogeo artístico, y a partir de 1814 empezó a editar libros de dibujos, los “manga”, reproduciendo la vida y actividad del pueblo en sus tareas cotidianas, y también series de escenas mitológicas, de animales, de plantas y paisajes. Sus series más famosas son las “36 vistas del Fuji” y los tres volúmenes de la obra “100 vistas del Fuji”, que han sido consideradas por la crítica como la obra cumbre de la pintura paisajística japonesa. Se calcula que su obra abarca unas 30.000 estampas e ilustraciones en casi 500 libros. Fue audaz en la combinación de colores, perspectivas y detalles, representando la naturaleza a veces con un realismo radical. Se ocupó de los temas más diversos, abarcando en su ingente obra desde burdeles hasta imágenes religiosas budistas, desde plantas o flores hasta los paisajes grandiosos, pasando por caricaturas satíricas, el diseño de pipas, de arquitecturas religiosas, paisajes y panoramas. Gran maestro de la improvisación llegó a utilizar como instrumentos pictóricos huevos, botellas y hasta los dedos de la mano. Hacia 1820, mucho antes de la eclosión del cómic erótico, creó " El sueño de la esposa del pescador". Esta obra representaba a una mujer que realiza actos sexuales con un pulpo. Este grabado inspiró a muchos artistas. Kaneto Shindô incluye la imagen en su película de 1981 Hokusai manga, una reseña de la vida de Hokusai. El artista australiano David Laity (nacido 1958), hizo una versión de la obra, asi como del artista japonés Masami Teraoka (nacido 1936) son ejempos de entre muchos otros. La obra se ha convertido en un clásico.
　
Carátula de Hokusai manga: La película muestra la rivalidad de Hokusai con Utamaro, otro de los grandes artistas de la época, el esfuerzo de Hokusai para realizar las "36 visiones del monte Fuji", una de sus obras más conocidas, y su obsesión por pasar a la posteridad no por su obra paisajística, sino por ser capaz de plasmar en el papel la pasión femenina, para lo cual, y de la mano de su modelo favorita Onao, emprende la ejecución de su obra maestra: "El sueño de la esposa del pescador".

Escena de la película Hokusai Manga

Versión de David Laity

Versión de Masami Teraoka

Figura erótica contemporánea

Muchacha desnuda riendo. Lucian Freud.

2010-04-10T23:51:00.009+12:00

Lucian Freud. Berlín 1922.

Muchacha desnuda riendo (1963). Óleo sobre lienzo. 34x28 cm. Colección privada.

Se trata del primer desnudo de cuerpo entero pintado por Freud. La modelo, es la hija de Freud. La muchacha parece tímida y coqueta, pero está cómoda.Gruesas pinceladas vertebran la articulación del antebrazo, la muñeca y los nudillos, con una libertad que sugiere excitación y un aire expresionista. El cuerpo surge de un recorrido que va desde el rojo y el marrón hasta el blanco. La luz, en cambio, permanece uniforme. Un fino y largo broche blanco supera la espinilla huesuda y brillante y unos gruesos zigzag de color marrón oscuro reproducen el cabello que cae sobre su mano.
Posteriormente hizo desnudos mucho más detallados e impactantes, pero éste tiene el encanto de la inmediatez.
Irónicamente, un cuadro que tiene muchas similitudes con "Muchacha desnuda riendo" es "Desnudo llorando" de Eduard Munch.

Desnudo llorando (1913). Óleo sobre lienzo. 110,5x135 cm. Much Museum. Oslo.

La Venus de Urbino. Tiziano

2010-04-10T23:42:00.004+12:00

Cuando tuve ocasión de contemplar este cuadro, quedé cautivado por su belleza. Fue en una reciente exposición temporal en El Prado, porque su ubicación habitual es en la Galeria degli Uffizi, en Florencia. La imagen típica de Venus de belleza virginal, se transforma en esta obra en una imagen muy sensual. La postura, que la muchacha tiene la mirada directa al espectador, sus cabellos sueltos sobre los hombros, su mano tapando el sexo, todo ello, son de un erotismo evidente, más si tenemos en cuenta que es un cuadro pintado en 1538.
Seguramente este cuadro abriría puertas a pintores posteriores como Goya con su Maja desnuda, y sobre todo la Olimpia de Manet. Son cuadros que me recuerdan a este.
El cuadro fue encargado a Tiziano en 1538 por Guidobaldo Della Rovere, Duque del Camerino, y futuro Duque de Urbino. Guidobaldo pidió repetidas veces a su agente en Venecia que comprase para el "la mujer desnuda". Para poder pagarla pidió en numerosas ocasiones el dinero a su reacia madre.

La libertad guiando al pueblo. Delacroix

2010-04-10T23:30:00.007+12:00

Ferdinand Victor Eugene DELACROIX (1798-1863) fue el cuarto hijo del matrimonio de Victoria Oeben y Charles Delacroix. Ella pertenece a una familia burguesa que había fabricado durante dos siglos muebles para la corona francesa y el fue embajador y ministro de asuntos exteriores, además de detentar otros cargos para el gobierno francés. Aunque los rumores dicen que Delacroix fue realmente hijo de Talleyrand, dada la poca capacidad para procrear de Delacroix padre, que Talleyrand era amigo de la familia, y que Delacroix era igualito fisicamente a aquél. Además, Talleyrand protegió al pintor durante toda su carrera desde los distintos y altos puestos que detentó en el gobierno francés.
Delacroix fue considerado desde el principio de su carrera como lider del movimiento romántico francés. La suavidad de sus pinceladas y el gran y profundo estudio de los efectos ópticos del color por parte de Delacroix inspirarían la forma de trabajo de los futuros impresionistas, mientras que su pasión por lo exótico motivó a los artistas del movimiento simbolista. En litografía, Delacroix también realizó importantes obras ilustrando historias de Shakespeare, del escocés Walter Scoot y del alemán Goethe.
En contraste con el neoclasicismo perfeccionista de su maestro -y rival- Ingres, Delacroix se dejó influenciar por el arte de Rubens y de los pintores venecianos renacentistas, con especial énfasis en los efectos de movimiento y en el color, junto con la luz y el perfil de las cuidadas formas. El dramatismo y el romanticismo caracterizan los temas centrales de su obra que en su madurez se aunan a los efectos que sobre el pintor causan un viaje por el norte de África en busca de los exótico.
Amigo y heredero espiritual de Géricault, también estuvo siempre influenciado por la obra de Byron, con quien se identificaba en la búsqueda de lo sublime de la naturaleza, que a menudo se manifesta de manera violenta.Según Boudalaire, Delacroix fue un enamorado apasionado de la pasión, determinado a expresar su pasión de la forma más clara posible.
La obra más influyente de Delacroix llegó en 1830, La libertad guiando al pueblo, fundamental porque es considerada la primera pintura política como tal, y porque en si misma muestra la temática y la técnica del Romanticismo, en contraposición al estilo neoclásico. Es por este cuadro probablemente por lo que Delacroix es un pintor -tan- conocido. Realiza un inolvidable retrato de los parisinos levantados en armas, bajo la bandera tricolor portada por una sensual - y rubensiana- mujer que representa a Francia, y que le ayuda a reflejar una imagen romática de la libertad. Se inspiró para este cuadro en hechos acaecidos en 1830: los parisinos, de todas las clases sociales, se levantaron contra el Rey Carlos X que pretendía suprimer el Parlamento y dictó numerosas leyes restringiendo los derechos de los ciudadanos. En el cuadro vemos a rico (el del sombrero), al pobre (a su lado), a un niño (en el que Zola más tarde se inspiraría para escribir Los Miserables) y toda la masa furiosa que les sigue. El herido extasiado mira a la mujer, sin importarle sus heridas al luchar por ella.
La perspectiva la consigue por los edificios de los barrios de París, y la gente también detrás, que se van alejando an fondo del lienzo. La bandera, la camisa del muerto y la ropa del herido trazan una línea recta que forma el eje central. El cuadro se plantea en pirámide: el vértice ascendente es Francia (la libertad) y cada uno de los muertos del primer plano cierran el triángulo. La luz y el color sirven para formar el movimiento que tiene el cuadro, y logra engañarnos porque es una luz irreal: impregna la bandera, al niño, al moribundo, a uno de los muertos y al hombre del sobrero. Los colores que predominan son los ocres y grises, que permiten que destaquen el rojo y azul de la bandera y el del moribundo. Se aprecia en esta obra influencia de Gericoult y Goya fundamentalmente, pero también de Rubens y Caravaggio.

Terraza del café de la Place du Forum en Arlés, por la noche. Vicent Van Gogh.

2010-04-10T23:22:00.002+12:00

Cuando Vicent envió este cuadro a su hermano le escribió: "Un café por la noche visto desde fuera. En la terraza están sentadas pequeñas figuras bebiendo. Un enorme farol amarillo ilumina la terraza, la fachada de la casa, la acera, e incluso extiende su resplandor hasta la calle adoquinada que adquiere una tonalidad rosa-violeta. Las fachadas de las otras casas de la calle, que se alarga bajo el cielo estrellado, son azul oscuras o violetas; ante ellas se encuentra un árbol verde. Aquí tienes un cuadro nocturno sin negro, sólo con un bello azul, con violeta y verde; y en este ambiente la plaza iluminada se tiñe de un pálido amarillo azufre y verde limón ...Sé que lo normal es sacar un boceto de la noche y luego pintarlo durante el día, pero a mí me gusta hacerlo en el momento... lo malo es que al trabajar así, con lo oscuro que está, puedo confundir los tonos de los colores... pero es la única manera de acabar con las escenas convencionales de nocturnos con sus pobres y cetrinas luces blanquecinas". Vincent quiere reflejar la alegría de una noche de verano en el café de Arlés que el frecuenta, la luz del farol, amarillo intenso contrasta con el azul profundo del cielo, y el verde del árbol se conjuga perfectamente en la composición de la paleta de colores.
Es también un ejemplo más de sus esfuerzos por establecer analogías entre las formas. Partiendo del borde izquierdo, tres líneas paralelas discurren hacia el centro: abajo, a la izquierda mirando el cuadro, la que cierra el marco de una ventana en forma de templete, la segunda es el lado estrecho y rojido del toldo y por último el alero superior de una casa que penetra en la inmensidad azul del firmamento. Respecto a las estrellas, se dice que corresponden a la constelación de Acuario, que en el mes de septiembre -en el que Vincent pinta esta obra- se encuentra al sur, porque efectivamente, por la torre del Ayuntamiento se sabe que el fondo del cuadro está orientado al sur.
El paralelismo de dichas líneas además burla todas las reglas de la perspectiva centralizada según la cual deberían converger en un punto de fuga. Van Gogh parece destrozar conscientemente este orden para desarrollar uno propio. Las líneas tiene además la función de permitir la red gráfica sobre la superficie del cuadro para conseguir la bidimensionalidad del cuadro.Denis dijo que un cuadro, antes de describir un acto, anécdota o visión, es sobre todo una superficie de colores agrupados en un orden determinado. Este cuadro tiene el orden de Van Gogh, y sus colores, magníficos, serán la base del futuro movimiento fauvista.
Vincent va a vivir a Arlés en 1888. La riqueza absoluta y exagerada de su paleta y la desbordante fuerza luminosa de su colorido tendrán muy poco que ver con el aspecto de las cosas que, precisamente en el sur, aparecerían cubiertas con el velo blanco uniforme de la luz resplandeciente. Van Gogh consigue en la Provenza dominar el color -y no porque viviera en la Provenza, sino a pesar de vivir en ella-. En Arlés encontró el Japón que los impresionistas añoraron y admiraron. Años después de dejar Arles escribió "... todavía recuerdo vivamente la excitación que me produjo aquel invierno el viaje de París a Arlés. Cómo acechaba sin cesar por saber si ya estaba en Japón .." Convirtió a la Provenza, y a Arlés en particular, en su tierra prometida.En esta época ya no dedica ninguna mirada a la composición, sino que se ajusta en la totalidad a la percepción. El "alma" se coloca en primer plano, es la categoría artística por el mismo creada, que une la manifestación artística a la existencia del individuo.Van Gogh siempre había tenido en cuenta la rapidez de su creación. Su pintura "de golpe", producir un cuadro de una sola sentada, alcanza en esta época su consagración y para el su compromiso. El trazo ágil se ennoblece para convertirse en su característica de un genio artístico sobrio y sincero con su sensibilidad.
Natural puede ser el mejor calificativo para definir su obra en el año 1888. Cada día está repleto de trabajo, y el pesar por la falta de relaciones personales y la incomprensión de otros pintores, se compensa con el entusiasmo por la propia creatividad. En Arlés pinta Vincent sus obras más destacables, por su gran calidad y su elevado número. Es un breve -desgraciadamente para él- periodo en el que tiene una profunda confianza en su capacidad para reflejar su realidad de la pintura. Y esa realidad coincide en teoría con el simbolismo, un mundo en el que lo hermoso era el criterio superior. Se rinde culto al delirio de los sentidos, al éxtasis de los tonos y los colores. Ahí, con él, llega su amigo Gaugin, la elegancia y la delicadeza del simbolismo.
Pero la mirada de Van Gogh es más feroz, primera, primitiva, humilde. Vincent no tiene ni la biografía ni el dinero para seguir a los pintores simbolistas elegantes, narcisistas y bohemios, veces más pendientes de buscar el "look" adecuado por la mañana que en pintar un cuadro. El quiere describir ese simbolismo de forma brutal sin pulirla por el tamíz de la elegancia. La realidad es más bella que la belleza de la realidad.

Lot y sus hijas. Lucas Van Leyden.

2010-04-10T23:16:00.001+12:00

El Maldito Artaud dijo: “Una tienda se levanta a orillas del mar; ante ella está sentado Lot… y mira evolucionar a sus hijas, como si asistiera a un festín de prostitutas… Y en efecto, esas mujeres se pavonean, como unas madres de familia, otras como amazonas, se peinan, y practican armas, como si nunca hubieran tenido otra ocupación que la de encantar a su padre, servirle de juguete o de instrumento… Esa profunda sexualidad es prueba de que ha comprendido (el pintor) el tema como un hombre moderno. No es tanto la imagen misma, sino algo que la ronda y se manifiesta entre su manifestación y su cierre, aludiendo a los secretos que debe haber conocido el pintor sobre la armonía lineal “… y los medios de hacer que esa armonía afecte directamente al cerebro, como un agente físico.” “…se dirigirá al hombre total y no al hombre social sometido a leyes y deformado por preceptos y religiones… Incluirá no sólo el anverso, sino también el reverso del espíritu; la realidad de la imaginación y de los sueños aparecerá ahí en pie de igualdad con la vida”. Van Leyden nació en 1494. De los cuadros que pintó de referencias bíblicas es uno de los más misteriosos en cuanto a su concepción. Como se sabe, fue una de las hijas de Lot la que sugirió perpetuar la especie manteniendo relaciones con el padre, aunque en el triángulo inferior el entusiasmado parezca él y no ella. Impresiona la parte superior, casi oculta, de la imagen, con los mismos protagonistas huyendo de la ciudad de Gomorra, imperceptibles en ese escenario dantesco de destrucción, dejando atrás a la esposa y madre convertida en estatua de sal.

Los Embajadores. Hans Holbein El Joven.

2010-04-10T23:06:00.004+12:00

Los Embajadores
El cuadro se llama en realidad 'Jean de Dinteville y Georges de Selve'. Es una pintura de Hans Holbein el Joven, actualmente en la National Gallery de Londres. Es una de las obras maestras del pintor y de la pintura en general.Triplemente importante por sus resonancias históricas, por su riqueza simbólica y por su excelencia plástica, incluye un raro objeto en primer plano que fue algo misterioso durante mucho tiempo.
Fue en el siglo XX cuando un historiador del arte, Jurgis Baltrusaitis, descubrió que esta forma que ocupa el primer plano de la pintura es lo que se llama frecuentemente hueso de sepia, siendo de hecho una anamorfosis de un cráneo humano: esta pintura es una vanidad.La pintura representa a Jean de Dinteville a la izquierda, embajador de Francia en Inglaterra en 1533, fecha de la realización del cuadro. A la derecha se encuentra su amigo, Georges de Selve, obispo de Lavaur, que ocasionalmente fue embajador ante el Emperador romano germánico, la república de Venecia y la Santa Sede. Ambos hombres, que observan al espectador de la obra, están acodados sobre un mueble con dos estantes sobre el que hay dispuestos varios objetos relacionados con el quadrivium, las cuatro ciencias matemáticas entre las siete artes liberales: la aritmética, la geometría, la música y la astronomía. En el estante superior puede verse una esfera celeste, objetos de medición del tiempo y un libro, dispuestos sobre una alfombra roja con complicados motivos geométricos. En el estante inferior hay un globo terráqueo, dos libros, un laúd y cuatro flautas en un estuche. El plano posterior está ocupado por una cortina de terciopelo verde con un pliegue en la esquina superior izquierda que apenas permite ver un crucifijo, que a menudo no se ve en las reproducciones debido a su posición en el margen.
El suelo está pavimentado con círculos y cuadrados, destacándose una forma difícilmente interpretable, pero que salta a la vista en tanto que parece que se halle fuera del espacio de la pintura; se ha llamado a menudo el hueso de sepia.
Jean de Dinteville está ricamente vestido con un abrigo de piel, en la mano lleva una daga en su estuche, donde está grabada su edad (29 años), y en la cabeza una boina de donde está colgado un broche representando un cráneo. Del negro de su indumentaria destacan el rojo de sus mangas y una cadena dorada que pende de su pecho con una medalla decorada con un ángel, prueba de su pertenencia a la Orden de San Miguel. Georges de Selve está totalmente vestido de negro, envuelto en un abrigo de piel. En la mano derecha lleva un par de guantes y en la cabeza un tocado.
De Selve se dedicó en lo esencial de su sacerdocio a trabajar por la reconciliación en el seno de la Iglesia. La pintura parece pues inmortalizar la toma de posesión de un embajador francés recientemente nombrado en la corte de Inglaterra y la visita que le hace por este motivo a su amigo.
La primera mirada que se hace a la pintura, una obra prácticamente cuadrada, de más de dos metros de lado, induce dos reflexiones: los dos hombres retratados, sujetos del cuadro, no ocupan el centro; están desplazados a los lados, enmarcando como un joyero un conjunto de objetos que a primera vista parecen dispares; a sus pies se encuentra un objeto extraño que parece no formar parte de la pintura, y que en todo caso ocupa el primer plano, como si Holbein hubiera usado este retrato para realzar, de entrada, otra cosa que no son los personajes que dan su nombre a la obra, uno de los cuales, Dinteville, fue quien la encargó.La pintura parece, pues, que abunda en símbolos, indicaciones ocultas, referencias; todo esto cosas normales en la pintura del Renacimiento, que intentamos identificar, traer a la luz.
El contexto político y religioso del año 1533
El paisaje político europeo de la época está dominado por cuatro figuras principales: los reyes de Francia Francisco I y de Inglaterra, Enrique VIII, el emperador romano germánico Carlos V (Carlos I de España) y el papa Clemente VII que moriría al año siguiente. A finales de octubre de 1532, Francisco I se reúne con Enrique VIII para tantear su apoyo contra el Imperio. Enrique VIII quiere que Francisco I use su influencia sobre el papa Clemente VII para resolver la cuestión de su divorcio de Catalina de Aragón, tía de Carlos V. Los encuentros son calurosos; Francisco ofrece a Ana Bolena (con quien Enrique VIII se desposará este mismo año) un diamante e invita al hijo natural de Enrique, el duque de Richmond, a seguir la misma educación que sus hijos en la corte de Francia.
Los cardenales inician negociaciones secretas con el papa para defender la posición de Enrique VIII, y el segundo hijo de Francisco I, duque de Orleans y futuro Enrique II, se promete con la sobrina del papa, Catalina de Médicis. La decisión del papa de publicar las bulas necesarias para el nombramiento de Thomas Cranmer como Arzobispo de Canterbury, parece indicar que los cardenales hicieron progresar la causa de Enrique VIII ante Clemente VII. El 25 de enero de 1533, Enrique se casa en secreto con Ana Bolena, ya encinta, y, al enterarse en marzo, Francisco se alegra ya que esto significa un distanciamiento creciente entre la casa de Inglaterra y la del Emperador, su principal enemigo, y un acercamiento importante con la casa de Francia. Después se precipitan los acontecimientos: el 23 de mayo, Thomas Cranmer, entonces ya arzobispo de Canterbury, sustituye al papa y anula el matrimonio de Enrique VIII con Catalina de Aragón. El 1 de junio, Ana Bolena es coronada en la abadía de Westminster. Finalmente, todo esto acarreará, el 23 de marzo de 1534, la excomunión de Enrique VIII por Clemente VII y el cisma entre la Iglesia de Inglaterra y la Iglesia de Roma. Durante este periodo, Francia conoce también una cierta confusión frente a las tesis luteranas.Siguiendo este contexto, parece que cuando Jean Dinteville vuelve para Inglaterra en febrero de 1533, las esperanzas de pactos entre Francia e Inglaterra son elevadas; sin embargo éste no es el caso a su regreso a Francia en noviembre del mismo año. Su presencia en Londres, así como la de su hermano François, obispo de Auxerre, embajador de Francia ante el Vaticano, muestra que desempeña un papel central en las negociaciones entre Francisco I, Enrique VIII y el Papa.
El pavimento
El pavimento que está bajo los pies de los embajadores ha sido identificado como inspirado (con una importante simplificación) en dos pavimentos verdaderos que comparten un cierto parecido. El primero se encuentra en la abadía de Westminster y el segundo en la Capilla Sixtina, en este caso en un lugar simbólico, exactamente bajo la creación de Adán, el don de la vida por Dios a los hombres. Volveremos luego sobre este simbolismo, cuando analicemos el hueso de sepia.De entre todos los elementos que conforman el cuadro, este pavimento es el que tiene la explicación simbólica menos segura. El pavimento de la abadía tenía una inscripción en letras de bronce, hoy perdida, en el cuadrado exterior del motivo, pero una transcripción del siglo XV permite reconstruir el texto (Christi milleno dis centeno duodeno / cum sexageno, subductis quatuor, anno, / tertius Henricus rex, urbs, Odoricus et abbas hos compegere porphyreos lapides) que fija la fecha de su ejecución en 1268, bajo el reinado de Enrique III de Inglaterra e indica el nombre de su diseñador, el artesano mosaiquista romano Odoricus. Incluso si el significado preciso de este pavimento sigue permaneciendo en el misterio, ciertamente es la representación del macrocosmos, un esquema del universo, donde el círculo central simboliza a Dios y los cuatro círculos periféricos los cuatro elementos —fuego, tierra, agua y aire—; la elección de Miguel Ángel de colocar su creación de Adán encima de una representación semejante en la Capilla Sixtina no parece obra del azar. Se encuentra la misma esquematización simbólica del universo tanto en el techo de Rafael para la habitación de la Segnatura (Stanza della Segnatura) como en le plano de Tycho Brahe para su observatorio de Uraniborg.Tenemos pues a dos hombres (el microcosmos) situados en el macrocosmos simbolizado por el pavimento, en consecuencia en el centro de la creación, encuadrando varios objetos de los cuales vamos a intentar conocer su significado.La estantería inferior Esta estantería contiene varios objetos: un globo terráqueo, un libro de aritmética de Peter Apian, matemático y astrónomo de la Universidad de Ingolstadt (Alemania), Eyn newe unnd wohlgründte underweysung aller Kauffmanss Rechnung in dreyen büchern (Un libro nuevo y fiable para aprender el cálculo y destinado a los comerciantes, 1527) mantenido abierto por una escuadra, un laúd con una cuerda rota, un libro de himnos luteranos de Johannes Walther, Geistlich Gesangbuhli en su primera edición de 1524, completamente abierto sobre dos páginas que muestran una partitura y un grupo de flautas. Los objetos presentes en esta estantería, que atañen a la geografía, las matemáticas y la música, están más orientados hacia la práctica de estas artes o técnicas que hacia su teoría.El globo terráqueo Basado en el que Johannes Schöner produjo en Nuremberg en 1523, muestra un cierto número de notaciones «geopolíticas», como la línea de división del mundo entre españoles y portugueses establecida por el papa Alejandro VI en el tratado de Tordesillas de 1494. La circunnavegación de Magallanes está dibujada en el globo. Se percibe también el Nuevo Mundo, en particular la costa brasileña. Sin embargo, Holbein introdujo algunas variaciones respecto al original: escribe «Pritannia» en vez de «Britannia» (Bretaña), quizás un recuerdo de su propia pronunciación defectuosa, pero sobre todo una de esas pinceladas de desorden que esmaltan la pintura y que simbolizan la confusión del mundo. Indica sobre el mapa de Francia la ubicación de Policy, (actualmente Polisy) en el departamento del Aube, pero el error es probablemente intencionado puesto que se trata del dominio señorial de Dinteville donde debía instalarse el cuadro.
El libro de aritmética
La simbología asociada al libro de Peter Apian es probablemente de dos tipos. Primeramente, el libro, para uso de los comerciantes y consagrado a la práctica de su oficio, marca la importancia de la emergencia de la burguesía en este periodo. Holbein hará por cierto retratos de ricos comerciantes. Se manifiesta también en esta práctica mercantil la aparición de nuevas herramientas puestas a disposición de un mayor número de personas gracias a la técnica revolucionaria en la época de la imprenta. El libro recuerda también que Georges de Selve desciende de una familia de comerciantes lemosines que amasó su fortuna durante el siglo XV y que ha permitido así a uno de los suyos alcanzar la posición de obispo. Foister recalca que la página legible empieza por la palabra Dividirt, doble sentido de división matemática pero también de división o desarmonía, tanto en la iglesia como en el terreno político, lo que se presenta, en conjunción con otros elementos de la composición, como una de las claves del cuadro. En efecto, los escritos de Georges de Selve se hacen eco de sus inquietudes ante la división que sufre la iglesia, la Reforma luterana, pero también ante la creación de la iglesia anglicana, en el mismo país donde se pintó el cuadro. De Selve escribe, por ejemplo, un discurso destinado al rey de Francia y al Emperador romano germánico como llamamiento a la reconciliación.
El laúd
La estantería inferior tiene en su parte derecha tres objetos relacionados con la música: un laúd, un libro de salmos y algunas flautas dentro de un estuche que muestra un hueco. Baltrusaitis hace notar que este laúd parece extranjero, porque lleva una inscripción que reza Underweysung der Messung de Alberto Durero (1525) donde se muestra un dispositivo de trazado de objetos en perspectiva. Se puede ver el reconocimiento de la deuda de Holbein a la ciencia de la perspectiva, una aportación mayor del Renacimiento a la pintura, que permite al pintor ejecutar cuadros de un realismo impresionante. Además, una de las cuerdas está rota, lo que posiblemente simboliza, como el vacío en el estuche de las flautas, el periodo de confusión que la iglesia vive en esta época, una armonía perdida.
El cantoral
El libro representado es el Geistlich Gesangbuhli de Johannnes Walther, un libro de himnos sagrados cuya primera edición data de 1524. Igualmente que con el libro de aritmética, Holbein ha escogido presentar el libro abierto por dos páginas concretas que sin embargo no son consecutivas en la obra verdadera. La página de la izquierda muestra la traducción del primer versículo del himno Veni sancte Spiritus de Lutero y la de la derecha la introducción a la Versión abreviada de los Diez Mandamientos del mismo Lutero. Es altamente probable que la elección de este libro y la yuxtaposición de estas dos páginas sean intencionadas; sin duda el tema favorito de Lutero es la oposición entre la Ley, representada por los mandamientos, y la Gracia, simbolizada por el himno, una temática que parece haber sido próxima a las posiciones de Georges de Selve. Holbein explotará este tema en otras dos obras, como mínimo: en un retablo que se encuentra actualmente en la National Gallery of Scotland y en la portada de la biblia de Coverdale publicada en 1535.Al fondo, se adivina un compás de punta seca (en inglés divider), que hace referencia a la división del libro de aritmética.La estantería superior En este estante, se hallan dispuestos sobre una alfombra varios instrumentos astronómicos o de medición del tiempo.
George de Selve apoya su codo sobre un libro en cuyo canto se lee la mención: ÆTATIS SVÆ 25, que corresponde a la edad de Georges de Selve, que tiene 25 años en la primavera de 1533, y le quedan sólo 7 años de vida. A la izquierda y cerca de Dinteville, se ve una esfera celeste que muestra las constelaciones con trazos de los seres mitológicos correspondientes.Se distingue la constelación del cisne, anotada como GALACIA; quizá como alusión al nombre en latín de Francia, GALLIA. Y como revela una atenta observación del dibujo en la esfera, en lugar de un cisne hay un gallo que ataca a un buitre; se puede proponer entonces una especie de alegoría celeste: el gallo galo —Francia— ataca a sus enemigos y los hace huir.El globo celeste El globo no está regulado para representar el cielo a la latitud de 51° 30’, que es la de Londres, donde se encuentran los dos hombres, sino para una latitud comprendida entre 42° y 43°, más característica de España —parte del imperio de Carlos V— o de Italia, donde reside el papa. Sin embargo, se trata de un valor muy próximo a la latitud de Roma (41° 52’), que alude a los desacuerdos políticos y religioso entre la corte inglesa y el Vaticano.
Hay que remarcar también el gran parecido con el que construyó en 1533 el astrónomo de Nuremberg Johannes Schöner, que se encuentra actualmente en el Museo de Ciencias de Londres.Los relojes de sol En la estantería superior encontramos varios relojes de sol, también visibles en otra obra de Holbein, el retrato de Nicholas Kratzer, pintado en 1528, cinco años antes. Uno de los relojes está regulado para una fecha, el 11 o el 15 de abril, siendo imposible concretarla. Como afirma Foister, no hay ninguna prueba de la presencia de Georges de Selve en Londres a principios de abril; no obstante el 11 de abril era el Viernes Santo de ese año y podría ser un vínculo simbólico entre el crucifijo y el libro de himnos. Cerca del codo de Georges de Selve hay un ’’torquetum’’, instrumento descrito por primera vez por Ptolomeo que se volvió a fabricar en esta época, en particular por Peter Apian que también era un renombrado fabricante de instrumentos.
El cráneo y el crucifijo
La extraña figura en primer plano, a veces llamada hueso de sepia, intrigó durante mucho tiempo a los analistas del cuadro. Nuestro afilado ojo de hoy en día, más habituado a la lectura de imágenes, nos hace adivinar que se trata de un cráneo muy deformado por una anamorfosis, aunque es probable que no hiciéramos una lectura tan inmediata. Señálese que este tipo de imágenes deformadas estaba de moda en la Inglaterra de los Tudor; la National Portrait Gallery de Londres posee por ejemplo un retrato de Eduardo VI de Inglaterra por William Scrots que también contiene una deformación por anamorfosis que se corrige mirando la superficie del cuadro a través de un agujero en el marco.Estos dos elementos conjugados evocan a muchos a San Jerónimo, como el de Joos van Cleve de 1525, y los de Durero, en particular el óleo sobre tabla de madera de 1521, actualmente en el Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa. En esta obra, la mirada de Jerónimo al cráneo sigue un eje muy próximo al que permite leer la anamorfosis del cráneo de los Embajadores. La asociación entre el cráneo y el crucifijo evoca la pasión de Cristo, el gólgota —palabra hebrea que significa cráneo— y el calvario — calvaria en latín. Por otra parte, es frecuente encontrar en las representaciones de la crucifixión un cráneo al pie de la cruz, sobre el que a veces se derrama la sangre de Cristo que lava así, por su sacrificio, el pecado original.Nótese también que hohle bein significa en alemán «hueso hueco»; el cráneo podría entonces ser una referencia al nombre del artista, una especie de firma.El contraste de este cráneo con el tema principal de esta pintura que representa a dos hombres importantes, un embajador de Francia ante la corte de Inglaterra, cuyo hermano es también embajador ante el papado y un obispo descendiente de una familia de ricos comerciantes, hace de ella una vanidad, una obra que simboliza que lo que es importante en la tierra no lo es en el reino de los cielos, que lo que se ha hecho en nuestra vida, la muerte lo deshace.El crucifijo, medio escondido, en una posición intermedia entre lo que hay delante de la cortina, el mundo de los hombres, y lo que se esconde a su mirada, lo desconocido detrás del telón, simboliza la posición del Cristo intermediario entre aquí abajo y el más allá. Por otra parte, algunos ven en este cuadro la imposible representación de Dios.
Uso de una cuchara para corregir la deformación: cómo observar el cráneo.
Para corregir la deformación del hueso de sepia y observar el cráneo sin usar medios informáticos, puede utilizarse el dorso de una cuchara. Se pone la cuchara en la parte superior del hueso, a la derecha. El dorso de la cuchara debe apuntar hacia la izquierda y ponerse perpendicular a la imagen del cuadro.Colocando la mirada frente al dorso de la cuchara y modificando su orientación, se observa fácilmente el cráneo sobre la superficie de la cuchara. Si se tiene una versión impresa de la pintura, puede dirigirse la mirada en el plano formado por la hoja y corregir la perspectiva.

La caída de los ángeles rebeldes. Brueghel El Viejo

2010-04-10T22:39:00.005+12:00

Brueghel El Viejo.
Este pintor del siglo XVI es uno de los más destacados representantes del costumbrismo de Flandes durante la etapa renacentista. Pieter Bruegel, El Viejo nace hacia 1525. Muere en 1569. No se sabe con exactitud ni el lugar ni la fecha de nacimiento de Bruegel. Entonces no existía un registro civil, y sólo por excepción llevaban las iglesias un registro de bautismos. Bruegel pudo nacer entre 1525 y 1530 en Breda o en una aldea próxima cuyo nombre suena igual que el apellido del pintor. Bruegel vivía en Bruselas cuando el duque de Alba, conocido y temido por su crueldad, llegó con su ejército a la ciudad en agosto de 1567. El general debía obligar a los protestantes de los Países Bajos, por la fuerza, a convertirse al catolicismo.
La dureza del empeño de Felipe II trajo consigo una guerra que duraría 80 años. Por entonces, los católicos coexistían con calvinistas, luteranos y anabaptistas en la ciudad de Amberes; los comerciantes venidos de fuera y el vertiginoso crecimiento urbano causaban a sus habitantes inseguridad y problemas de entendimiento. Era una sociedad "multicultural" en la que el mutuo entendimiento en cuestiones religiosas se hacía cada vez más difícil. Esta situación cada vez más tensa se explica en su cuadro "La construcción de la Torre de Babel".
Sus obras muestran escenas cotidianas, mitológicas y paisajes llenos del encanto de una bonita zona, en aquel tiempo provincia del imperio español y con un alto nivel de vida. Bruegel toma como modelo a El Bosco y, aunque no es tan irónico ni tan sutil como él, resulta más cercano y comprensible.
La interpretación de sus obras es fácil. La sociedad que le rodeaba aparece en todos sus aspectos, tanto la alegría (comidas, fiestas, bailes, juegos) como la desgracia (pobres, tullidos, vagabundos, etc). Los paisajes rezuman belleza y gracia infantil, parecen escenarios de cuentos, son hermosos e imaginativos. Bruegel muestra optimismo y alegría en todos sus cuadros, incluso en los que reflejan realidades tristes. Colorido y luz se conjugan para resaltar las escenas, el primero es variado e intenso, amarillos, rojos, verdes, blancos; la segunda juega con la poca claridad de los paisajes norteños per es una fantasmagórica escena de gran abigarramiento composo la complementa con luces artificiales en los interiores o con la nieve de blanco intenso en los exteriores. Normalmente el paisaje es lo importante, los seres humanos sirven sólo como añadido pero nunca restan protagonismo al paisaje.
La caída de los ángeles rebeldes es una fantasmagórica escena de gran abigarramiento compositivo tivo que no deja prácticamente espacios libres. Los ángeles celestiales desalojan a los rebeldes del cielo con violencia, de forma que abajo están los condenados al infierno y arriba los ángeles buenos. Un enorme sol orienta las figuras de la parte superior que manejan tanto largas trompetas como espadas, visten con únicas blancas en alusión a la pureza. La parte inferior ya es otra cosa; caótica y terrible, los ángeles rebeldes se van transformando en horribles seres monstruosos con formas de animales y en posturas retorcidas. Sus caras denotan sufrimiento y terror. El arcángel San Miguel, con armadura dorada expulsa del cielo a los ángeles que osaron levantarse contra Dios. Los ángeles que luchan en el ejército de San Miguel van vestidos de blanco; los que abandonaron a Dios, al caer del cielo, se transforman en seres fantásticos, mezclas abominables de peces, reptiles e insectos.

Naturaleza muerta

2010-03-15T00:04:00.004+12:00

Fotografía tomada con Nikon d-90

Picasso ( XXII )

2009-12-29T20:50:00.007+12:00

Pablo Ruiz Picasso

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316. Café de Royan. 1940. Óleo sobre lienzo. 97 x 130 cm. Musée Picasso. París.

317. Café de Royan. 1940. Tinta china sobre papel. 21.5 x 27 cm.

318. El osario. 1944-1945. Carboncillo sobre lienzo. 199.8 x 250.1 cm.

319. El osario. 1944-1945. Óleo sobre lienzo. 199.8 x 250.1 cm.

320. El osario. 1944-1945. Óleo y carboncillo sobre lienzo. 199.8 x 250.1 cm. The Museum of Modern Art. Nueva York.

321. Fauno quitando el velo a una mujer. 1936. Aguafuerte y aguatinta. 31,6 x 41,7 cm. Museo Picasso de París. París.

322. Estudio para -Merienda en el campo-. 1954. Lápiz sobre papel. 21 x 27 cm. Musée Picasso. París.

323. Angel Fernández de Soto con una mujer. 1902-1903. Acuarela y tinta china sobre papel. 21 x 15.2 cm. Museu Picasso. Barcelona.

324. Arcadia. 1900 Lápiz plomo sobre papel. 50 x 65 cm. Museo de Montserrat.

325. Desnudo, Picasso a sus pies. 1902-1903. Tinta china y acuarela. 17.6 x 23.2 cm. Museu Picasso. Barcelona.

326. Dos desnudos y un gato. 1902-1903. Acuarela y lápiz sobre papel. 18 x 26.5 cm. Museu Picasso. Barcelona.

327. Muchacha joven desnuda de pie. 1904. Óleo sobre lienzo. 10 x 70 cm.

328. La pareja. 1904. Óleo sobre lienzo. 100 x 81 cm. Colección particular.

329. La caballa (composición alegórica). 1902-1903. Tinta coloreada sobre cartón. 13.9 x 9 cm. Museu Picasso. Barcelona.

330. Las dos amigas. 1904. Aguada sobre papel. 55 x 38 cm. Colección particular.

Jorge Galindo - La pintura y la furia

2009-12-19T08:36:00.023+12:00

Jorge Galindo en el Musac

El pasado mes de octubre de 2009 durante un viaje a León tuve la oportunidad de visitar el MUSAC, y me interesó especialmente la exposición de este pintor.

Contaba con tres series de dibujos que el artista realizó por encargo del Museo y para el Museo, sin pasar por galerías y no expuestas antes en ningún otro sitio. Las series consistían en 100 dibujos negros, 100 rojos y 100 verdes, sin ningún otro requisito sobre el tema de las obra, técnica, etc., con la libertad que para un pintor ello supone.También se exponía una reproducción del estudio del artista en Madrid, plagado en sus paredes de fotografías de viejas revistas y collages, y un taller donde al parecer Galindo estuvo trabajando en una serie de payasos.

Otras obras no fueron pintadas por Galindo, sino encargadas por él, partiendo de sus collages, a los pintores de oficio que desde los años cuarenta y cincuenta hasta recientemente han pintado los carteles de los cines de la Gran Vía de Madrid, que se reconocen perfectamente por el tipo de acabado de estas obras. Existe así la polémica de que estas pinturas sean firmadas por Galindo, sin ser pintadas por él, aunque la idea sea suya pues él si creó el collage. ¿Es un edificio obra del arquitecto que lo diseña, o lo es de los albañiles, encofradores, carpinteros, fontaneros etc. que lo construyen?.

Las fotografías las realicé sin flash, y espero que os sirvan para haceros una idea. También añado un video de la página del MUSAC, con el que obtendreís una impresión mejor, ya que además de explicaciones del propio pintor, cuenta con imágenes más detalladas.

Picasso ( XXI )

2009-12-18T19:11:00.006+12:00

Pablo Ruiz Picasso

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301. Bodegón con cráneo de buey. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen. Dusseldorf. Alemania.

302. Cabeza de toro sobre una mesa. 1942. Óleo sobre lienzo. 116 x 89 cm.

303. Copa y jarra. 1944. Óleo sobre lienzo. 33 x 41 cm. Colección particular.

304. Cráneo y cántaro. 1945. Óleo sobre lienzo.

305. Cráneo, erizos y lámpara sobre una mesa. 1946. Óleo sobre contachapado. 81 x 100 cm. Musée Picasso. París. Francia

306. El aparador del Catalán . 1943. Óleo sobre lienzo. 81 x 100 cm. Staatsgalerie Stuttgart. Stuttgart. Alemania.

307. El vaso azul. 1903. Óleo sobre lienzo. 66.1 x 28.5 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

308. Jarra, vela y cacerola esmaltada. 1945. Óleo sobre lienzo. 82 x 106 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Centre Georges Pompidou. París. Francia.

309. Naturaleza muerta. 1947. Óleo sobre lienzo. 81 x 100 cm.

310. Naturaleza muerta con cabeza de toro. 1937. Óleo sobre lienzo.

311. Naturaleza muerta con cabeza de toro. 1939. Óleo sobre lienzo. The Cleveland Museum of Art. Cleveland. USA

312. Naturaleza muerta con puerro, cabeza de pescado, calavera y jarra. 1945-1946. Óleo sobre lienzo. 81 x 116 cm.

313. Naturaleza muerta con cráneo, libro y lámpara de petróleo 1946. Óleo sobre lienzo. 54 x 65 cm.

314. Naturaleza muerta con vela, paleta y cabeza de minotauro roja. 1938. Óleo sobre lienzo. 73 x 92 cm.

315.Naturaleza muerta- vela, paleta y cabeza de toro roja. 1938. Óleo sobre lienzo. 97 x 130 cm.

Picasso ( XX )

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286. Retrato de Marie-Thérèse Walter con guirnalda. 1937. Óleo sobre lienzo. 61 x 46 cm. Colección Maya Ruiz-Picasso. Paris. Francia

287. Retrato de Marie-Thérèse Walter. 1937. Óleo y lápiz sobre lienzo. 46 x 38 cm. Musée Picasso. París. Francia.

288. Retrato de la Señora Soler. 1903. Óleo sobre lienzo. 100 x 73 cm. Staatsgalerie moderner Kunst. Munich. Alemania.

289. Tête de Femme. 1905. Monotipo, con tinta china y siena. 62 x 47,5 cm. Colección privada.

290. Retrato de Sebastián Junyent. 1903. Óleo sobre lienzo. 73 x 60 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

291. Retrato de Sebastián Junyer-Vidal. 1903. Óleo sobre lienzo. 125.5 x 91.5 cm. Colección particular.

292. Retrato de Sebastián Junyer-Vidal. 1903. Óleo sobre papel. 56 x 46 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

293. Claude en traje polaco. 1948. Óleo sobre lienzo. 120 x 50 cm.

294. Pareja de pobres. 1903. Óleo sobre lienzo. 81.5 x 65.5 cm. Nasjonalgalleriet. Oslo. Noruega.

295. Retrato de Mateu Fernández de Soto. 1901. Óleo sobre lienzo. 61 x 46.5 cm.

296. Mujer sentada en un sillón. 1941. Óleo sobre lienzo. 130 x 97 cm.

297. Mujer sentada en un sillón. 1941. Óleo sobre lienzo. 130 x 97 cm. Colección particular.

298. Mujer sentada en un sillón. 1941. Óleo sobre lienzo. 92 x 73 cm.

299. Mujer sentada en un sillón. 1948. Óleo sobre lienzo. 100.5 x 81 cm. Colección particular

300. Retrato de mujer. 1942. Óleo sobre lienzo. 100 x 81 cm. Colección particular.

Picasso ( XIX )

2009-12-12T06:03:00.005+12:00

Pablo Ruiz Picasso

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271. El marinero. 1938. Óleo sobre lienzo. 58.5 x 48 cm.

272. Hombre con helado de cucurucho. 1938. Óleo sobre lienzo. 61 x 50 cm.

273. Hombre con sombrero de paja y helado de cucurucho. 1938. Óleo sobre lienzo. 61 x 46 cm. Musée Picasso. Paris.

274. La alborada. 1942. Óleo sobre lienzo. 195 x 265.4 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Centre Georges Pompidou. París.

275. Maya con un barco. 1938. Colección privada. 1938.

276. Mujer con sombrero malva. 1939. Óleo sobre lienzo. 55 x 46 cm.

277. Mujer sentada con pájaro. 1939. Óleo sobre lienzo. 92 x 73 cm. Colección particular.

278. Mujer sentada con sombrero-pescado. 1942. Óleo sobre lienzo. 99.7 x 80.7 cm. Stedelijk Museum. Amsterdam.

279. Mujer sentada en un sillón. 1938. Óleo sobre lienzo. 80.7 x 65 cm. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen. Düsseldorf.

280. Mujer sentada en un sillón. 1938. Óleo sobre lienzo. 188 x 129.5 cm.

281. Primeros pasos. 1943. Óleo sobre lienzo. Yale University Art Gallery. New Haven. USA.

282. Retrato de Dora Maar. 1937. Óleo sobre lienzo. 55.3 x 46.3 cm. Musée Picasso. París.

283. Retrato de Dora Maar. 1937. Óleo sobre lienzo. 92 x 65 cm. Museo Picasso de París.

284. Retrato de Dora Maar. 1937. Óleo y pastel sobre lienzo. 55.3 x 45.5 cm. Musée Picasso. París.

285. Retrato de mujer (Dora Maar). 1942. Óleo sobre lienzo. 60.5 x 53.8 cm. Museum Folkwang. Essen. Alemania.

Picasso ( XVIII )

2009-12-11T04:32:00.006+12:00

Pablo Ruiz Picasso

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256. Retrato de Jaime Sabartés como grande de España. 1939. Óleo sobre lienzo. 45.7 x 38 cm. Museu Picasso. Barcelona.

257. Retrato de Jaime Sabartés. 1901. Óleo sobre lienzo. 44.5 x 36.8 cm. Museu Picasso. Barcelona.

258. Retrato de Jaime Sabartés (La caña). 1901. Óleo sobre lienzo. 82 x 66 cm. Museo Pushkin. Moscú.

259. Claude con balón. 1948. Óleo sobre lienzo. 100 x 81 cm.

260. Claude en los brazos de su madre. 1948. Óleo sobre lienzo. 92 x 73 cm.

261. El niño de las palomas. 1943. Óleo sobre lienzo. 162 x 130 cm. Musée Picasso. París.

262. Maya con muñeca. 1938. Óleo sobre lienzo. 73.5 x 60 cm. Musée Picasso. París.

263. Mujer sentada (Dora Maar). 1941. Óleo sobre lienzo. 99.8 x 80.5 cm. Staatsgalerie moderner Kunst. Munich.

264. Mujer sentada en un jardín. 1938. Óleo sobre lienzo. 131 x 97 cm.

265. Mujer sentada con sombrero rojo y azul. 1939. Óleo sobre lienzo. 92 x 73 cm.

266. Niño con langosta. 1941. Óleo sobre lienzo. 130 x 97.3 cm. Musée Picasso. París.

267. Retrato de Marguerite Walter (Méme). 1939. Óleo sobre lienzo. 41 x 33 cm. Colección Maya-Ruiz Picasso. París.

268. Retrato de Marie-Thérèse Walter. 1937. Óleo sobre lienzo. 100 x 81 cm. Musée Picasso. París.

269. Retrato de Suzanne Bloch. 1904. Óleo sobre lienzo. 65 x 54 Museu de Arte. Sao Paulo.

270 Mujer acostada leyendo (Marie-Thérèse Walter). 1939. Óleo sobre lienzo. 96.5 x 130.5 cm. Musée Picasso. París.

Picasso ( XVII )

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241. El jersey amarillo (Dora Maar). 1939. Óleo sobre lienzo. 81 x 65 cm.

242. Busto de mujer. 1943. Óleo sobre lienzo. 73 x 60 cm.

243. Busto de mujer con sombrero rayado. 1939. Óleo sobre lienzo. 81 x 54 cm. Musée Picasso. París.

244. Cabeza de mujer. 1939. Óleo sobre lienzo. 65 x 54.5 cm. Musée Picasso. París.

245. Cabeza de mujer. 1939. Óleo y lápiz sobre lienzo. 43 x 29 cm. Colección particular.

246. Cabeza de mujer con bucles verdes. 1946. Óleo sobre lienzo. 35 x 27 cm.

247. Busto de mujer.1 942. Óleo sobre lienzo. 73 x 60 cm. Colección particular. Suiza.

248. Marie-Thérèse acodada. 1939. Óleo sobre lienzo. 65 x 46 cm.

249. Mujer con boina y vestido de cuadros. 1937. Oleo sobre lienzo. 55 x 46 cm. Colección particular.

250. Mujer con broche. 1944. Óleo sobre lienzo. 80 x 59.7 cm. Colección particular.

251. Cabeza de mujer. 1947. Óleo sobre lienzo. 73 x 60 cm.

252. Mujer con sombrero. 1943. Tinta china y acuarela sobre papel. 54 x 53 cm.

253. Mujer con sombrero de paja sobre fondo florido. 1938. Óleo sobre lienzo. 73 x 60 cm.

254. Mujer con sombrero sentada en un sillón. 1941. Óleo sobre lienzo. 130.5 x 97.5 cm.

255. Mujer de verde. 1943.

Picasso ( XVI )

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226. Mujer desnuda con piernas cruzadas. 1903. Pastel. 58 x 44 cm.

227.La planchadora. 1904. Óleo sobre lienzo. 116.2 x 73 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York.

228. Madre y niño a orillas del mar. 1902. Óleo sobre lienzo. 83 x 60 cm. Colección particular.

229. Muchacha de Mallorca. 1905. Aguada sobre cartulina. 67 x 51 cm. Museo Pushkin de Bellas Artes de Moscú.

230. Mujer con pañuelo. 1903. Óleo sobre lienzo sobre cartón. 50 x 36 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo.

231. Mujer con casco de pelos. 1904. Aguada sobre cartón. 42.8 x 31 cm. Instituto de Arte de Chicago.

232. La pordiosera arrodillada. 1902. Óleo sobre lienzo. 101.2 x 66 cm. Art Gallery of Ontario.

233. El jinete. 1921. Litografía. 19.5 x 27 cm.

234. Hombre y mujer. 1927. Aguafuerte. 19.2 x 28 cm.

235. La familia Soler. 1903. Óleo sobre lienzo. 150 x 200 cm.

236. Lola.1899. Óleo sobre lienzo.

237. Campesinos italianos. 1919. Lápiz y carboncillo sobre papel. 59 x 46.5 cm. The Santa Barbara Museum of Art.

238. Madre e hijo.1905. Gouache. Colección Privada.

239. Mujer con un cigarrillo. 1901. Óleo sobre lienzo. 73,1 x 50,8 cm. The Barnes Foundation. Merion. Pennsylvania.

240. Mujer de azul. 1902. Óleo sobre lienzo.

Picasso ( XV )

2009-12-03T20:16:00.007+12:00

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211. Celestina. 1904. Óleo sobre lienzo. 81 x 60 cm. Musée Picasso. París.

212. Autorretrato (Yo). 1901. Óleo sobre cartón sobre madera. 54 x 31.8 cm.

213. El viejo guitarrista ciego. 1903. Óleo sobre madera. 121.3 x 82.5 cm. Instituto de Arte de Chicago.

214. Viejo ciego con niño. 1903. Óleo sobre lienzo. 125 x 92 cm. Museo Pushkin. Moscú.

215. El encuentro. 1902. Óleo sobre lienzo sobre madera. 152 x 100 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo.

216. La bebedora de Absenta. 1902. Óleo sobre lienzo.

217. Hombre en azul (Retrato de hombre). 1902-1903. Óleo sobre lienzo. 90 x 78 cm. Musée Picasso. París.

218. Autorretrato-Yo Picasso. 1901. Óleo sobre lienzo. 73.5 x 60.5 cm. Colección privada. París.

219. Portrait de Max Jacob. 1916. Lápiz plomo sobre papel. 32,6 x 25,3 cm. Musée Picasso. París.

220. Retrato de Cocteu.1917. Museo Jean Cocteau. Milly la Fôret.

221. Proyecto para el telón de -Parade- 1917. Lápiz sobre papel. 24.7 x 30 cm. Musée Picasso. París.

222. Retrato de Serge Diaghilew y Alfred Seligsberg. 1919. Carboncillo y Lápiz sobre papel. 63.5 x 49.6 cm. Musée Picasso. París.

223. El matrimonio Sisley. 1919. Lápiz sobre papel. 31 x 21.8 cm.

224. Retrato de Léonide Massine. 1919. Lápiz sobre papel. 38 x 29 cm. Instituto de Arte de Chicago.

225. Retrato de Pierre-Auguste Renoir.1919. Lápiz y carboncillo sobre papel. 61 x 49.3 cm. Musée Picasso. París. Francia.

Picasso ( XIV )

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196. Pierrot con máscara. 1918. Lápiz sobre papel. 31 x 23 cm.

197. Autorretrato. 1917. Lápiz y carboncillo sobre papel. 64 x 49,5 cm. Museo Picasso de París.

198. Autorretrato a la edad de 36 años. 1917. Lápiz sobre papel. 34 x 26.8 cm.

199. Bañista sentada secándose los pies. 1923. Tinta china sobre papel. 35 x 26 cm.

200. Bañista tendida. 1920. Lápiz sobre papel. 26.5 x 42 cm.

201. Mujer desnuda de pie con una toalla. 1923. Pluma sobre papel. 108 x 72 cm.

202. Mujer desnuda de pie apoyándose. 1923. Pluma sobre papel. 36 x 25 cm.

204. Mujer sentada, el brazo izquierdo apoyado sobre una roca. 1923. Pluma sobre papel. 35 x 26 cm.

205. Tres bañistas. 1920. Lápiz sobre papel. 48 x 63 cm.

206. Tres bañistas. 1920. Tinta china sobre papel. 75 x 105 cm.

207. Mujer desnuda de pie con los brazos cruzados. 1923. Lápiz sobre papel. 35 x 26 cm. Colección particular.

208. Siete bailarinas. 1919. Pluma sobre papel. 26.3 x 39.5 cm.

209. Siete bailarinas. 1919. Lápiz sobre papel. 62.2 x 50 cm. Musée Picasso. París.

210. Tres bailarinas. 1919. Lápiz sobre papel. (tres hojas pegadas). 37 x 32.5 cm. Musée Picasso. París.

Picasso ( XIII )

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181. El sombrero de tres picos- El corregidor. 1919. Aguada y Lápiz sobre papel. 23.1 x 17.5 cm. Musée Picasso. París.

182. El sombrero de tres picos- Anciano con muletas. 1919. Aguada y Lápiz sobre papel. 26.5 x 19.7 cm. Musée Picasso. París.

183. El sombrero de tres picos- El campesino de la barba azul. 1919. Aguada y Lápiz sobre papel. 27 x 19.7 cm. Musée Picasso. París.

184. El sombrero de tres picos- El compañero de la sevillana. 1919. Aguada y Lápiz sobre papel. 27 x 20 cm. Musée Picasso. París. Francia.

185. El sombrero de tres picos- El molinero. 1919. Aguada y Lápiz sobre papel. 26 x 19.5 cm. Musée Picasso. París. Francia.

186. El sombrero de tres picos- El mulero. 1919. Aguada y Lápiz sobre papel. 26 x 19.7 cm. Musée Picasso. París.

187. El sombrero de tres picos- Un alguacil. 1919. Aguada. Tinta china y Lápiz sobre papel. 27 x 19.7 cm. Musée Picasso. París.

188. El sombrero de tres picos- Un aragonés. 1919. Aguada y Lápiz sobre papel. 27 x 19.8 cm. Musée Picasso. París.

189. El sombrero de tres picos- Un hombre. 1919. Aguada y Lápiz sobre papel. 22.5 x 17.5 cm. Musée Picasso. París.

190. El sombrero de tres picos- Un loco. 1919. Aguada y Lápiz sobre papel. 26 x 19.5 cm. Musée Picasso. París.

191. El sombrero de tres picos- Un picador. 1919. Aguada y Lápiz sobre papel. 26.5 x 19.7 cm. Musée Picasso. París.

192. El sombrero de tres picos- Una mujer. 1919. Aguada. Tinta china y lápiz. 22.5 x 17.5 cm. Musée Picasso. París.

193. El sombrero de tres picos- El alcalde. 1919. Aguada. Tinta china y Lápiz sobre papel. 22.2 x 17.3 cm. Musée Picasso. París.

194. El sombrero de tres picos- Una mujer. 1919. Aguada y lápiz sobre papel. 22.2 x 17.4 cm. Musée Picasso. París.

195. El sombrero de tres picos- Una mujer. 1919. Lápiz sobre papel. 25 x 16 cm. Musée Picasso. París.

Picasso ( XII )

2009-11-29T22:20:00.006+12:00

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166. Dos mujeres corriendo por la playa 1922. Aguada sobre contrachapado. 32.5 x 42.1 cm. Musée Picasso. París.

167. Dos mujeres desnudas.1920. Pastel sobre papel.

168. Mujer desnuda de pie.1921. Óleo sobre lienzo. 132 x 91 cm. Národni Galerie. Praga.

169. Pierrot.1918. Óleo sobre lienzo. 92.7 x 73 cm. The Museum of Modern Art. Nueva York.

170. Pierrot y bailarina.1900. Óleo sobre lienzo. 38 x 46 cm. Colección particular.

171. Portrait of Olga. 1923. Oil on canvas. 130 x 97 cm.

172. Retrato de Gustave Coquiot. 1901. Óleo sobre cartón. 46 x 38 cm.

173. Retrato de Gustave Coquiot. 1901. Óleo sobre lienzo. 100 x 81 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Centre Georges Pompidou. París.

174. Retrato de Olga en un sillón. 1917. Óleo sobre lienzo. 130 x 88.8 cm. Musée Picasso. París.

175. Olga pensativa. 1923. Pastel y lápiz sobre papel. 104 x 71 cm.
Musée Picasso. París.

176. Retrato de Olga, 1923. Pastel y lápiz sobre papel. 100 x 81 cm. National Gallery of Art. Washington.

177. Los amantes. 1923. National Gallery of Art. Chester Dale Collection. Washington.

178. Saltimbanqui. 1922. Aguada sobre papel. 16 x 11 cm. Colección particular.

179. Desnudo sentado secándose los pies. 1921. Pastel sobre papel. 66 x 50.8 cm.

180. La lectora. 1920. Oil on canvas. 166 x 102 cm.

Picasso ( XI )

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151. Tres mujeres en la fuente. 1921. Óleo sobre lienzo. 203.9 x 174 cm. The Museum of Modern Art. Nueva York.

152. La familia de Napoleón III. 1919. Pastel sobre papel. 62 x 48 cm. Colección particular.

153. La griega. 1924. Óleo sobre lienzo. 185 x 75 cm. Colección particular.

154. La mujer con velo azul. 1923. Óleo sobre lienzo. 100 x 81.3 cm. Los Angeles County Museum of Art.

155. La siesta. 1919. Témpera. Acuarela y lápiz. 31.1 x 48.9 cm.

156. Las bañistas. 1918. Óleo sobre lienzo. 26.3 x 21.7 cm. Musée Picasso. París.

157. Madre e hijo. 1921. Óleo sobre lienzo. 102.1 x 83.5 cm. Colección particular.

158. Mujer sentada.1923. Aguada sobre cartón. 20.9 x 17.4 cm. Allen Memorial Art Museum.

159. Mujer sentada 1921. Óleo sobre lienzo. 116 x 73 cm. Staatsgalerie Stuttgart.

160. Mujer y niño en la orilla del mar 1921. Óleo sobre lienzo. 143 x 162 cm. Instituto de Arte de Chicago. Chicago.

161. Paul, hijo del artista, a los dos años. 1923. Óleo sobre lienzo. 81 x 100 cm.

162. Paul dibujando. 1923. Óleo sobre lienzo. 130 x 97.5 cm. Musée Picasso. París.

163. Naturaleza muerta con flores. 1901. Óleo sobre lienzo. 65 x 49 cm. Tate Gallery. Londres.

164. Naturaleza muerta con jarro y pan. 1921. Óleo sobre lienzo. 101 x 128 cm.

165. Naturaleza muerta 1901. Óleo sobre lienzo. 50 x 80.5 cm. Museu Picasso.
Barcelona.

Picasso ( X )

2009-11-25T23:34:00.005+12:00

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136. Olga con mantilla. 1917.

137. Mujer en camisa. 1923. Óleo sobre lienzo. 92.1 x 73 cm. Tate gallery. Londres.

138. Arlequín sentado 1923. Óleo sobre lienzo. 130 x 97 cm. Colección particular.

139. Busto de mujer. 1923. Óleo sobre lienzo. 65 x 54 cm. Colección particular.

140. Cabeza de mujer. 1923. Óleo y arena sobre lienzo. 46 x 38 cm. Bridgestone Museum of Art. Tokio.

141. Bodegón sobre cómoda. 1919. Óleo sobre lienzo. 81 x 100 cm. Musée Picasso. París.

142. Canasta de frutas. 1918. Óleo sobre madera contrachapada. 47.5 x 61.5 cm.

143. El baile aldeano. 1921-1922. Pastel fijado y Óleo sobre lienzo. 139.5 x 85.5 cm. Musée Picasso. París.

144. La Golosa. 1901. Óleo sobre lienzo. 92.8 x 68.3 cm.

145. Familia a orillas del mar. 1922. Óleo sobre lienzo. 17.6 x 20.2 cm. Musée Picasso. París.

146. Mujer leyendo. 1920. Óleo sobre lienzo. 100 x 81 cm. Museo de Bellas Artes de Grenoble.

147. La cortesana. 1901. Óleo sobre lienzo. 65.3 x 54.5 cm. The Metropolitan Museum of Art. New York.

148. Mujer con collar de gemas. 1901. Óleo sobre cartón. 43.7 x 36.1 cm. Art Gallery of Ontario.

149. Mujer con vestido español -La Salchichona- 1917. Óleo sobre cartón. 116 x 89 cm. Museu Picasso. Barcelona.

150. Naturaleza muerta con jarro y manzanas. 1919. Óleo sobre lienzo. 65 x 43 cm. Musée Picasso. París.

Picasso ( IX )

2009-11-25T00:38:00.004+12:00

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121. Los amantes en la calle. 1900. Pastel sobre papel. 59 x 35 cm. Museu Picasso. Barcelona.

122. Muchacho desnudo. 1906. Témpera sobre cartón. 67.5 x 52 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo.

123. Las Carreras. 1901. Óleo sobre cartón. 52 x 67 cm. Colección particular.

124. Cancan francés. 1901. Óleo sobre lienzo. 46 x 61 cm.

125. Corrida de toros. 1901. Óleo sobre cartón sobre lienzo. 49.5 x 64.7 cm.

126. Corrida de toros. 1901. Óleo sobre lienzo. 47 x 56 cm.

127. El abrazo. 1900. Óleo sobre papel sobre cartón. Museo Pushkin de Bellas Artes de Moscú.

128. El diván. 1899. Pastel sobre papel. 26.2 x 29.7 cm. Museu Picasso. Barcelona.

129. El Moulin de la Galette. 1900. Óleo sobre lienzo. 90,2 x 117 cm.

130. Entrada de la plaza en Barcelona. 1900. Pastel sobre cartón. 51 x 69 cm. Toyama Prefectural Museum of Modern Art. Tojama. Japón.

131. Frenesí. 1900. Pastel. 47.5 x 38.5 cm. Colección particular.

132. Interior de -Els Quatre Gats-. 1900. Óleo sobre lienzo. 41 x 28 cm.

133. La madre llevando dos niños. 1901. Óleo sobre cartón sobre madera. 74.4 x 51.4 cm. Saint Louis Art Museum. Saint Louis.

134. Merendero. 1900. Técnica mixta sobre cartón. 24,6 x 30,6 cm.

135. Picador. 1900. Tinta y acuarela. 21 x 13,5 cm. Museo de Montserrat.

Picasso ( VIII )

2009-11-20T03:29:00.009+12:00

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106. Autorretrato. 1901. Óleo sobre lienzo. 81 x 60 cm. Musée Picasso. París. Francia.

107.Cabeza de mujer de perfil. 1905. Grabado a punta seca. 29.2 x 25 cm.

108. Arlequín pensativo. 1901. Óleo sobre lienzo. 82.8 x 61.3 cm. The Metropolitan Museum of Art. New York. USA.

109. De vuelta del bautizo (Ségun le Nain). 1917. Óleo sobre lienzo. 162 x 118 cm. Musée Picasso. París. Francia.

110. Dos mujeres desnudas. 1906. Lápiz con carboncillo. 63 x 47 cm.

111. Dos mujeres desnudas. 1906. Tinta china y acuarela sobre papel. 48 x 31.5 cm.

112. El aseo de la madre. 1905. Aguafuerte. 23.5 x 17.6 cm.

113. Gitana delante de La Musciera. 1900. Pastel sobre papel. 44.5 x 59 cm. Colección particular.

114. Los saltimbanquis. 1905. Grabado a punta seca. 28.8 x 32.2 cm.

115. Paisaje con árbol muerto y vivo. 1919. Óleo sobre lienzo. 49 x 64 cm. Bridgestone Museum of Art. Tokio. Japón.

116. Mujer acurrucada y niño. 1901. Óleo sobre lienzo. 110.5 x 96.5 cm. Fogg Art Museum. Harvard University. Cambridge. USA.

117. Mujer desnuda de pie de perfil. 1906. Lápiz y carboncillo.

118. Mujer desnuda sentada y mujer desnuda de pie. 1906. Lápiz y carboncillo sobre papel. 63.6 x 47.6 cm. Philadelphia Museum of Art. Filadelphia USA.

119. Salomé.1905. Grabado a punta seca. 40 x 34.8 cm.

120. Retrato de Petrus Manach. 1901. Óleo sobre lienzo. 100.5 x 67.5 cm. National Gallery of Art. Washington. USA.

Picasso ( VII )

2009-11-18T03:27:00.008+12:00

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91. Holandesa con cofia (La bella Holandesa). 1905. Óleo, aguada y tiza azul sobre cartón sobre madera. 77 x 66 cm. Queensland Art Gallery. Brisbane. Australia.

92. Deux femmes nues. 1906. Óleo sobre lienzo. 151.3 x 93 cm. The Museum of Modern Art. Nueva York. USA

93. Dos mujeres desnudas. 1906. Óleo sobre lienzo. Colección Privada. Suíza.

94. Mujer con joyas. 1901. Óleo sobre cartón. 67.4 x 52 cm. The Arensberg Collection. Philadelphia Museum of Modern Art. Philadelphia.USA.

95. Muchacha con cántaro. 1906. Óleo sobre lienzo. Instituto de Arte de Chicago. Chicago. USA.

96. El harén. 1906. Óleo sobre lienzo. 154.3 x 109.5 cm. The Cleveland Museum of Art. Cleveland. USA.

97. El peinado. 1906. Óleo sobre lienzo. 126 x 90.7 cm. Colección Schoenborn y Marx. Nueva York. USA.

98. La familia del Arlequín 1905. Aguada y tinta china sobre papel. 57.5 x 43 cm. Colección particular.

99. Los adolescentes. 1906. Óleo sobre lienzo. 151.5 x 93.5 cm. National Gallery of Art. Washington. USA.

100. Los dos hermanos. 1906. Aguada sobre papel y cartón. 80,5 x 59 cm. Musée Picasso. París. Francia.

101. Los dos hermanos. 1906. Óleo sobre lienzo. 142 x 97 cm. Öffentliche Kunstsammlung Basel. Kunstmuseum. Basilea. Suiza

102. Muchacha con cabra. 1906. Óleo sobre lienzo. 139 x 102 cm. The Barnes Foundation. Merion. Pennsylvania. USA.

103. Muchacha joven desnuda con canasto de flores. 1905. Óleo sobre lienzo. 155 x 66 cm. Colección particular. Nueva York. USA.

104. Mujer desnuda sentada, con las piernas cruzadas. 1906. Óleo sobre lienzo. 151 x 100 cm. Národni Galerie. Praga. República Checa.

105. Mujer desnuda de frente y desnudo de perfil. 1906. Aguada sobre papel sobre lienzo. 58.5 x 43.2 cm.

Picasso ( VI )

2009-11-15T22:13:00.009+12:00

Pablo Ruiz Picasso

76

76. Retrato de la Señora Benedetta Canals. 1905. Óleo sobre lienzo. 88 x 68 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

77. Retrato de Gertrude Stein. 1905-1906. Óleo sobre lienzo. 99.6 x 81.3 cm. The Metropolitan Museum of Art. New York. USA.

78. Retrato de Allan Stein. 1906. Aguada sobre cartón. 74.3 x 59.1 cm. Cone Collection. The Baltimore Museum of Art. Baltimore (MD). USA.

79. Madre e hijo con flores. 1901. Óleo sobre cartón. 54 x 65 cm. Colección particular. París. Francia.

80. Mujer en el palco. 1901. Óleo sobre lienzo. 77 x 61 cm.

81. Retrato de Fernande Olivier con pañuelo. 1906. Aguada y carboncillo sobre papel. 66 x 49.5 cm. Virginia Museum of Modern Art. USA

82. Retrato de -Bibi la Purée- 1901. Óleo sobre lienzo. 49 x 39 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Centre Georges Pompidou. París. Francia.

83. Retrato de Josep Cardona. 1899. Óleo sobre lienzo. 100 x 63 cm.

84. Organillero y pequeño arlequín. 1905. Aguada sobre cartón. 100.5 x 70.5 cm. Kunsthaus Zurich. Suiza.

85. Mujer desnuda sentada. 1905. Óleo sobre cartón sobre madera. 106 x 76 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Centre Georges Pompidou. París. Francia.

86. Mujer con sombrero azul. 1901. Óleo sobre cartón. 60.8 x 49.8 cm. Colección particular.

87. Madre y niño. 1901. Óleo sobre lienzo. 68 x 52 cm. Kunstmuseum Bern. Berna. Suiza.

88. Mujer con sombrero de plumas. 1901. Óleo sobre lienzo. 46.5 x 38.5 cm.

89. Mujer maquillada 1901. Óleo sobre cartón. 69.5 x 57 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

90. Mujer en azul. 1901. Óleo sobre lienzo. 133.5 x 101 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. Madrid. España.

Picasso ( V )

2009-11-14T05:09:00.007+12:00

Pablo Ruiz Picasso

61

61. Acróbata y joven arlequín. 1905. Aguada sobre cartón. 105 x 76 cm. Colección particular. Bruselas. Bélgica.

62. Arlequín a caballo.1905. Óleo sobre cartón. 100 x 69.2 cm.

63. La muerte del arlequín. 1906. Aguada sobre cartón. 68.5 x 96 cm. Colección particular

64. Autorretrato (Cabeza de hombre joven). 1906. Óleo sobre cartón. 26.6 x 19.7 cm.

65. Madre e hijo (saltimbanquis). 1905. Aguada sobre lienzo. 90 x 71 cm. Staatsgalerie Stuttgart. Stuttgart. Alemania.

66. Bufón y acróbata joven. 1905. Carboncillo, pastel y acuarela sobre papel. 60 x 47 cm. Cone Collection. The Baltimore Museum of Art. Baltimore. USA.

67. El niño con la paloma. 1901. Óleo sobre lienzo. 73 x 54 cm. National Gallery. Londres. Inglaterra.

68. En el -Lapin Agile- (Arlequín con copa). 1905. Óleo sobre lienzo. 99 x 100.5 cm.

69. Dos saltimbanquis con un perro. 1905. Aguada sobre cartón. 105.5 x 75 cm. The Museum of Modern Art. Nueva York. USA.

70. Familia de saltimbanquis. 1905. Acuarela y tinta china sobre papel. 24.3 x 30.5 cm. Cone Collection. The Baltimore Museum of Art. Baltimore. USA.

71. Joven español. 1906. Aguada y acuarela sobre papel. 61.5 x 48 cm. Göteborgs Konstmuseum. Goteburgo. Suecia.

72. La Bailarina -La Nana-. 1901. Óleo sobre cartón. 104.5 x 61 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

73. La bebedora de ajenjo. 1901. Óleo sobre cartón. 65.5 x 50.8 cm.

74. La Familia de saltimbanquis (Los titiriteros). 1905. Óleo sobre lienzo. 212,8 x 229,6 cm. The National Gallery of Art. Washington. USA.

75. La Madrileña (Cabeza de mujer joven. 1901. Óleo sobre lienzo. 52 x 33 cm. Colección Rijksmuseum Kröller-Müller. Otterlo. Netherlands.

Picasso ( IV )

2009-11-11T21:06:00.010+12:00

Pablo Ruiz Picasso

46

46. Las tres Holandesas. 1905. Aguada y tinta china sobre papel sobre cartón. 77 x 67 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Centre Georges Pompidou. París. Francia.

47. Muchacha de los pies descalzos. 1893. Óleo sobre lienzo. 15.8 x 23 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

48. Retrato de Felipe IV.Retrato de Felipe IV (Copia de Velázquez). 1897-1898. Óleo sobre lienzo. 54,2 x 46,7 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

49. Retrato de la madre del artista. 1896. Acuarela sobre papel. 19.5 x 12 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

50. Retrato de la madre del artista. 1896. Pastel sobre papel. 49.8 x 39 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

51. Retrato de la tía Pepa. 1896. Óleo sobre lienzo. 57.5 x 50.5 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

52. Retrato del padre del artista. 1896. Óleo sobre lienzo. 42.3 x 30.8 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

53. Retrato del padre del artista. 1896. Acuarela. 18 x 11.8 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

54. Retrato de Juan Vidal i Ventosa. 1899-1900. Carboncillo y acuarela sobre papel. 47.6 x 27.6 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

55. Autorretrato.1899-1900. Carboncillo sobre papel. 22.5 x 16.5 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

56. Una cantera.1896. Óleo sobre lienzo. 60.7 x 82.5 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

57. Casa en un campo de trigo.1898. Óleo sobre lienzo. 33 x 44 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

58. Cabeza de mujer. 1901. Óleo sobre cartón. 46.7 x 31.5 cm. Colección particular. Barcelona. España.

59. Autorretrato. 1906. Óleo sobre lienzo. 65 x 54 cm. Musée Picasso. París. Francia

60. Autorretrato con paleta. 1906. Óleo sobre lienzo. 92 x 73 cm. A. E. Gallatin Collection. Philadelphia Museum of Art. Filadelphia. USA.

Picasso ( III )

2009-11-10T21:14:00.008+12:00

Pablo Ruiz Picasso

31. Familia de Acróbatas con mono. 1905. Aguada, acuarela, pastel y tinta china sobre cartón. 104 x 75 cm. Konstmuseum. Gotemburgo. Suecia.

32. Ciencia y caridad.1897. Óleo sobre lienzo. 197 x 249,5 cm. Museo Picasso de Barcelona. Barcelona. España.

33. Caricaturas. 1898. Lápiz sobre papel. 23.1 x 17 cm. Colección particular.

34. El hombre de la gorra. 1895. Óleo sobre lienzo. 72.5 x 50 cm. Musée Picasso. París. Francia.

35. El monaguillo. 1881-1973. Óleo sobre lienzo. 75 x 50,5 cm. Abadía de Montserrat.

36. El viejo pescador. 1895. Óleo sobre lienzo. 83 x 62,5 cm. Abadía de Montserrat.

37. Dos soldados a caballo y un torreón. 1894. Pluma sobre papel. 27.1 x 18.5 cm. Museo Picasso. Barcelona. España

38. Palomas y conejos. 1892. Lápiz sobre papel. 13 x 21 cm.

39. Desnudo femenino de espaldas. Desnudo femenino de espaldas según ( Arcadi Mas i Fondevila). 1895. Óleo sobre madera. 22.3 x 13.7 cm. Museo Picasso. Barcelona. España.

40. Casa de campo. 1893. Óleo sobre lienzo. 15.8 x 23 cm. Museo Picasso. Barcelona. España.

41. Corrida de toros y palomas. 1892. Lápiz sobre papel. 13.5 x 220.2 cm. Museo Picasso. Barcelona. España.

42. Estudio académico. 1895-1897. Óleo sobre lienzo. 82 x 61 cm. Museo Picasso. Barcelona. España.

43. Estudios en un libro escolar. 1891. Lápiz y pluma sobre papel. 22.2 x 14.5 cm. Museo Picasso. Barcelona. España.

44. Hojas de acanto. Dibujo académico. 1892-1893. Tiza negra y carboncillo sobre papel.

45.Hércules con su maza. 1890. Lápiz sobre papel. 49.6 x 32 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

Picasso ( II )

2009-11-09T20:48:00.008+12:00

Pablo Ruiz Picasso

16. Primera Comunión. 1895-96. Óleo sobre lienzo. Museo Picasso, Barcelona, España

17. Dríada. 1908. Óleo sobre lienzo. El Hermitage, San Petersburgo, Rusia

18. Cabeza de un muchacho. Estudio académico. 1896. Óleo sobre lienzo sobre cartón. 29.8 x 26.1 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

19. El aseo. 1906. Óleo sobre lienzo. Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, EE.UU.

20. Cristalería. Bodegón con un Porrón. 1906. Óleo sobre lienzo. Hermitage, San Petersburgo.

21. Pan y frutero sobre una mesa. 1909. Óleo sobre lienzo. Kunstmuseum Basel, Basel, Suiza

22. Autorretrato con cabello corto.1896. Óleo sobre lienzo. 46.5 x 31.5 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

23. Autorretrato mal peinado. 1896. Óleo sobre lienzo. 32.7 x 23.6 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

24. Composición con un cráneo. 1907. Óleo sobre lienzo. Hermitage, San Petersburgo.

25. Busto de un hombre joven. Estudio académico. 1895-1897 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

26. flores en una jarrón gris y copa con una cuchara. 1908. Óleo sobre lienzo. Hermitage, San Petersburgo.

27. Cabeza de hombre al estilo del Greco. 1899. Óleo sobre lienzo. 34.7 x 31.2 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

28. Cabeza de mujer. 1907. Óleo sobre lienzo. Barnes Foundation, Universidad de Lincoln, Merion, EE.UU.

29. El hombre con los brazos cruzados. 1909. Acuarela, gouache y carbón sobre papel pegado sobre cartón. Hermitage, San Petersburgo.

30. La Campesina. 1908. Óleo sobre lienzo. Hermitage, San Petersburgo.

Picasso ( I )

2009-11-08T22:16:00.010+12:00

Pablo Ruiz Picasso

1

01. Acróbata y joven arlequín. 1905. Óleo sobre lienzo. Barnes Fundación, Universidad de Lincoln, Merion, PA, EE.UU.

02. Acróbata de la bola. 1905 Óleo sobre lienzo. Museo Pushkin de Bellas Artes, Moscú.

03. Chico con un caballo. 1906. Óleo sobre lienzo. El Museo de Arte Moderno, Nueva York, NY, EE.UU.

04. Chico con un perro. 1905. Pastel y guache sobre cartón. El Hermitage, San Petersburgo.

05. La muerte de Casagemas. 1901. Óleo sobre madera. Musée Picasso, París, Francia.

06. Mujer en camisa. c.1905. Óleo sobre lienzo. Tate Gallery, Londres, Reino Unido.

07. Arlequín sentado en un sofá rojo. 1905. Tinta china y acuarela sobre papel. Colección privada.

08. Mujer con un abanico. 1905. Óleo sobre lienzo. National Gallery of Art, Washington EE.UU.

09. El ajenjo. 1901. Carboncillo, pastel, gouache sobre papel. Hermitage, San Petersburgo.

10. La vida. 1903. Óleo sobre lienzo. Museo de Arte de Cleveland.

11. Una pareja de españoles frente a una posada. 1900. Pastel sobre cartón. Colección privada.

12. Desayuno de un ciego. 1903. Óleo sobre lienzo. El Metropolitan Museum of Art, Nueva York, EE.UU

13. Arlequín con una guitarra. 1918. Óleo sobre madera.

14. Peinando. 1906. Óleo sobre lienzo. Metropolitan Museum of Art, Nueva York, EE.UU.

15. El asceta. 1903. Óleo sobre lienzo. Barnes Foundation, Universidad de Lincoln, Merion, EE.UU.

Anglada Camarasa ( IX )

2009-11-08T06:05:00.013+12:00

Hermen Anglada Camarasa

81

81 Sonia de Klamey 1913. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. España.

82 Pins de Formentor 1923. Óleo sobre lienzo. 105 x 150 cm. Colección particular. Madrid. España.

83 Primavera. Lirios anaranjados 1943. Óleo sobre lienzo. 99 x 109 cm. Colección particular.

84 Puigventós a la tardor 1937-38. Óleo sobre lienzo. 68 x 79,5 cm. Cortesía galería Manuel Barbié. Barceona. España.

85 Retrato de Francesc Costa 1904. Lápiz carbón y carboncillo. papel tipo vegetal. 47,2 x 57,4 cm. Palacio Municipal de Exposiciones de A Coruña. A Coruña. España.

86 Sevillana 1911-12. Óleo sobre lienzo. 175 x 100 cm. Museo Nacional de Bellas artes. Buenos Aires. Argentina.

87 Sibila 1913. Óleo sobre lienzo. 195,5 x 114,5 cm. Fundación la Caixa. Palma de Mallorca.

88 Torso de mujer 1903-1904. Lápiz carbón sobre papel. Dos paneles encolados. 33,4 x 29,8 cm. Colección particular.

89 Tórtola Valenciana 1912. Lápiz plomo y acuarelas sobre papeles recortados y encolados. 42,8 x 39,8 cm. Colección particular.

90 Valencia 1910. Fundación La Caixa. Palma de Mallorca. España.

91 Valenciana entre dos luces 1908. Óleo sobre lienzo. 175,5 x 102,5 cm. Museo Nacional de Bellas Artes. Buenos Aires. Argentina.

92 Vendedor de gallos 1904. Óleo sobre lienzo. 150 x 224 cm. Gobierno del principado de Asturias.

93 Ver luisiant 1904. Óleo sobre lienzo. 79 x 122 cm. Thielska Galleriet. Estocolmo. Suecia.

94 Vieja gitana con niño 1910. Óleo sobre lienzo. 107 x 87 cm. Colección particular

95 Tronco y ramas 1921-22. Lápiz sobre papel. 25,7 x 41,6 cm. Colección particular.

Anglada Camarasa ( VIII )

2009-11-08T05:19:00.006+12:00

Hermen Anglada Camarasa

71

71 Marieta Ayerza de González Garaño 1924. Óleo sobre lienzo. 195 x 195 cm. Museo Nacional de Bellas Artes. Buenos Aires.

72 Panorámica desde Montserrat 1937-38. Óleo sobre lienzo. 84,5 x 110,5 cm. Colección particular.

73 Montserrat nevado -Torrent de Santa maría 1937. Óleo sobre lienzo. 99 x 109 cm. Colección particular.

74 Mujer de noche en París 1898. Óleo sobre tabla. 22,7 x 35 cm. Gobierno del principado de Asturias. Colección Masaveu. Depósito museo de bellas artes de Asturias. Oviedo. España.

75 Olivo 1958. Carbón graso sobre papel canson fino. 32,3 x 24 cm. Colección particular.

76 París la nuit 1900. Óleo sobre tabla. 22,7 x 35 cm.

77 Paisaje 1892. Óleo sobre lienzo. 52 x 83 cm. Colección particular. Barcelona. España.

78 Paisaje con marismas 1905. Óleo sobre lienzo. 80,5 x 140,5 cm. Colección particular.

79 Paisaje con peñas 1894. Óleo sobre lienzo. 66,5 x 106,5 cm. Museo Nacional de Cuba. La Habana. Cuba.

80 Paisaje con puente 1890. Óleo sobre lienzo. 99,5 x 95,5 cm.

Anglada Camarasa ( VII )

2009-11-07T22:45:00.006+12:00

Hermen Anglada Camarasa

61

70

61 La dama negra 1913. Óleo sobre lienzo. 196 x 98 cm.

62 La dame de l´aigrette 1902. Óleo sobre lienzo. 115 x 146 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. Madrid. España.

63 Madrileña 1913. Óleo sobre lienzo. 184 x 120 cm.

64 La gitana de las granadas 1904. Óleo sobre lienzo. 114 x 147,5 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. España.

65 La higuera 1916-18. Óleo sobre lienzo. 96 x 170 cm. Colección particular.

66 La higuera de la huerta, invierno. Mallorca 1916-18. Óleo sobre lienzo. 117 x 151 cm. Colección particular.

67 La novia de Benimanet 1906. Óleo sobre lienzo. 140 x 175 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. Madrid. España.

68 La Victoria 1920-30. Óleo sobre lienzo. 47 x 60 cm. Colección particular.

69 Le paon blanc 1904. Colección Carmen Thyssen-Bornemisza.

70 Los ópalos 1904. Óleo sobre tabla. 85 x 150 cm. Museo Nacional de Bellas Artes. Buenos Aires. Argentina.

Anglada Camarasa ( VI )

2009-11-07T22:04:00.008+12:00

Hermen Anglada Camarasa

51

60

51 Gruta 1916. Tinta sobre lienzo. 14 x 21,7 cm. Colección particular.

52 Gruta en el fondo del mar 1927-1928. Óleo sobre lienzo. 200 x 200 cm. Museo de Bellas Artes de Asturias. Oviedo. España.

53 Interior de café 1895-97. Carbón sobre papel verjurado. 13,4 x 19 cm. Colección particular

54 Interior de teatro 1898. Óleo sobre tabla. 26,2 x 35 cm. Colección particular.

55 Interior del Casino de París1900. Óleo sobre tabla. 12 x 19 cm. Colección particular.

56 Jardí amb xiprers 1930-40. Óleo sobre lienzo. 121 x 120 cm. Colección particular. Barcelona. España.

57 Jardín de París o Jardin du théàtre 1900. Óleo sobre tabla. 45,5 x 73 cm. Colección particular. Madrid. España

58 La alicantina 1908. Óleo sobre lienzo. 174,5 x 107,5 cm. Museo Nacional de Cuba. La Habana. Cuba.

59 La cesta de fruta Óleo sobre lienzo. 80 x 57 cm.

60 La costa del Colomer 1927. Óleo sobre lienzo. 52 x 64 cm.

Anglada Camarasa ( V )

2009-11-06T20:28:00.007+12:00

Hermen Anglada Camarasa

41
42

46
47
48
49

41 Flamenco 1901. Óleo sobre tabla. 43,5 x 81 cm.

42 Flores y copa 1889. Óleo sobre lienzo. 21 x 40 cm. Coleción particular.

43 Flores y frutos. Jarrón blanco 1940-45. Óleo sobre lienzo. 109 x 99 cm. Colección particular.

44 Fons de mar 1927-1928. Óleo sobre lienzo. 120 x 120 cm.

45 Friso valenciano 1905-06. Óleo sobre lienzo. 83 x 151 cm.

46 Gallo de San Pedro 1948-50. Óleo sobre lienzo. 83 x 83 cm. Colección particular.

47 Gitanas con perros 1904. Óleo sobre lienzo. 114 x 147 cm.

48 Granadina1914. Óleo sobre lienzo. 195 x 125 cm. Museu nacional d´art de catalunya. Barcelona. Depósito de la diputación de Barcelona. España.

49 Grupo caricaturesco femenino 1931. Tinta lila sobre papel vegetal. 19,7 x 27 cm. Colección particular.

50 Grupo de caballeros y una dama 1900. Óleo sobre tabla. 10,9 x 15,5 cm. Colección particular.

Anglada Camarasa (IV)

2009-11-06T05:51:00.009+12:00

Hermen Anglada Camarasa

31

31 El palco 1901-1902. Óleo sobre tabla. 23,3 x 33 cm. Colección Masaveu.

32 El pino de Formentor Óleo sobre lienzo. 53 x 45 cm. Colección Banco Sabadell.

33 El tango de la corona 1910. Fundación La Caixa. Palma de Mallorca. España.

34 Els lledoners de Bóquer 1918. Óleo sobre lienzo. 136 x 210 cm. Museu Nacional d´Art de Catalunya. Barcelona. Depósito de la diputación de Barcelona. España.

35 Escena gitana 1901. Tinta sobre papel. 20,9 x 27,7 cm. Colección particular.

36 Estrecho de Bóquer después de la lluvia 1948-50. Óleo sobre lienzo. 88 x 112 cm. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid. España.

37 Estudio de caballos 1900. Sanguina sobre papel de embalar recortado. 12,8 x 16,4 cm. Colección particular.

38 Estudio para el retrato de Adelina Del Carril 1920-22. Tinta y lavado sobre papel. 19 cm circular. Colección particular.

39 Estudio para un rapto de los centauros 1927-28. Lápiz sobre papel continuo. 26,1 x 29,3 cm. Colección particular.

40 Figura femenina desnuda, echada 1906. Lápiz carboncillo y carbón sobre papel verjurado. 83 x 151 cm. Colección particular.

Anglada Camarasa (III)

2009-11-05T20:59:00.009+12:00

Hermen Anglada Camarasa 21

30

21 Chula de ojos verdes 1913. Óleo sobre lienzo. 175 x 100 cm. Colección LL-A. Madrid. España.

22 Costa nord de Formentor 1936. Óleo sobre lienzo. 83 x 83 cm. Colección masaveu.

23 Desdnudo masculino de frente 1904. Lápiz carbón sobre papel. 62,3 x 32,9 cm. Colección particular.

24 Desnudo bajo la parra 1909. Óleo sobre lienzo. 140 x 85 cm. Museo de Bellas Artes de Bilbao. España.

25 Egipcia y otros croquis1898. Lápices de colores sobre papel verjurado. 30,5 x 48,7 cm. Colección particular.

26 El ídolo 1910.

27 Cubierta de barco velero de pesca 1904. Óleo sobre tabla. 26,5 x 35,3 cm. Palacio Municipal de Exposiciones de A Coruña. A Coruña. España.

28 Dalias 1940-47. Óleo sobre lienzo. 111 x 85 cm. Museu de Montserrat. Montserrat. Barcelona. España.

29 Dermarche gitane 1902. Óleo sobre lienzo. 115 x 146 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. Madrid. España.

30 Desastres de la guerra 1936-37. Tinta sobre papel continuo pegado a otro. 20,6 x 36,7 cm. Colección particular.

Anglada Camarasa (II)

2009-11-05T19:43:00.006+12:00

Hermen Anglada Camarasa

20

11 Acantilado en Formentor 1936. Óleo sobre lienzo. 45 x 51,2 cm. Colección particular.

12 Apunte de mujer desnuda boca abajo 1913. Lápiz azul sobre papel continuo. 22,5 x 36,7 cm. Colección particular.

13 Apunte de mujer echada 1913. Lápiz plomo sobre papel. 48,3 x 51,1 cm. Colección particular.

14 Apunte de ramas de parra 1931. Lápiz sobre papel. 26,5 x 40 cm. Colección particular.

15 Apuntede mujer desnuda echada 1913. Lápiz azul sobre papel continuo. 26,7 x 43 cm. Colección particular.

16 Árboles de Bóquer 1918. Lápiz sobre papel. 22,9 x 21,8 cm. Colección particular.

17 Bóquer 1920-36. Óleo sobre lienzo. 47 x 69 cm. Ajuntament de Palma. Palma de Mallorca. España.

18 Bóquer 1920-1936. Óleo sobre lienzo. 47 x 69 cm. Ajuntament de palma. Palma de Mayorca.

19 Cala del Port de Pollenca 1921-22. Lápiz azul sobre papel tipo vegetal. 21,8 x 28,2 cm. Colección particular

20 Caleta 1927-30. Óleo sobre tabla. 47 x 55 cm. Colección Artur Ramon. Barcelona. España.

Anglada Camarasa (I)

2009-11-05T08:07:00.026+12:00

Hermen Anglada Camarasa

(Barcelona , España, 11-9-1987/Puerto de Pollensa 7-7-1959)

1

2

1 Teatro 1901-03. Óleo sobre tabla. 34 x 36 cm. Colección Masaveu.

2 Apunte de danzarina de can-can.1900. Carboncillo sobre papel canson. 12,4 x 8,1 cm. Colección particular.

3 Bailaora 1903-04. Lápiz plomo y color ocre sobre papel. 33,4 x 29,8 cm. Colección particular.

4 Bailarina de can-can 1903-04. Lápiz carbón y toques de tiza blanca sobre papel tipo embalaje satinado. 25,3 x 20 cm. Colección particular.

5 Caballo 1901-04. Óleo sobre tabla. 37,8 x 46 cm. Colección Fontbona, Barcelona. España.

6 Cepa de árbol 1890-92. Óleo sobre papel. 28,6 x 19,1 cm. Colección particular.

7 Champs Elysées 1904. Óleo sobre tabla. 81 x 120 cm. Abadía de Montserrat.

8 Campesinos de Gandía 1906. Colección Masaveu. Museo de Bellas Artes de Asturias.
Principado de Asturias. España.

9 Caballo y gallo 1904. Óleo sobre lienzo. 118 x 152 cm. Musei civici veneziani. Galleria intarnazionale d´arte moderna de ca´Pesaro. Venecia. Italia.

10 Costa de Bretaña 1904. Óleo sobre lienzo pegado a tabla. 37,5 x 52 cm. Fundación La Caixa. Palma de Mallorca. España.

Picasso: El toro y la síntesis

2009-11-04T20:13:00.008+12:00

Roma calles 5

2009-09-10T23:29:00.003+13:00

Roma calles 4

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Berlín-Altes Museum- cuatro vistas de una escultura

2009-09-09T05:07:00.006+13:00

Berlín calles 5

2009-09-06T07:07:00.004+13:00

Oporto calles 4

2009-09-01T02:37:00.003+13:00

Burgos Catedral-Cristo maestro en Majestad, clave de bóveda de la Catedral Románica s. XII

2009-08-31T22:28:00.007+13:00

Burgos-Catedral (detalle)

2009-08-30T00:28:00.005+13:00

Oporto calles 3

2009-08-29T22:52:00.004+13:00

Oporto calles 2

2009-08-26T22:36:00.003+13:00

Oporto calles

2009-08-24T23:33:00.003+13:00

Fotografía tomada en agosto de 2007
Nikon digital

Berlín calles 4

2009-08-24T08:40:00.002+13:00

Fotografía tomada en diciembre de 2007

Nikon digital

Museo De Arte Egipcio -Nefertiti

2009-08-23T22:23:00.008+13:00

Fotografía tomada en diciembre de 2007

Nikon digital

Berlín calles 3

2009-08-23T21:37:00.004+13:00

Fotografía tomada en diciembre de 2007

Nikon digital

Museo Serralves (detalle)

2009-08-21T23:20:00.003+13:00

Fotografía tomada en agosto de 2007

Nikon digital

Museo de Pérgamo (detalle) 5

2009-08-21T08:27:00.005+13:00

Fotografía tomada en diciembre de 2007

Nikon digital

Museo de Pérgamo (detalle) 4

2009-08-21T08:02:00.003+13:00

Fotografía tomada en diciembre de 2007
Nikon digital

Braga Catedral (detalle)2

2009-08-21T00:11:00.003+13:00

Fotografía tomada en agosto de 2007

Nikon digital

Oporto-Duero.Porto-Douro

2009-08-20T22:39:00.003+13:00

Fotografía tomada en agosto de 2007

Nikon digital

Catedral de Braga (detalle)

2009-08-20T08:17:00.005+13:00

Fotografía tomada en agosto de 2007
Nikon digital

Roma-calles 3

2009-08-20T03:19:00.004+13:00

Fotografía tomada en agosto de 2006

pentax compacta

Roma-calles 2

2009-08-19T23:09:00.003+13:00

Fotografía tomada en septiembre de 2006

Pentax compacta

Roma-calles 1

2009-08-19T22:37:00.004+13:00

Fotografía tomada en Septiembre de 2006

Pentax compacta

Berlín calles 2

2009-08-19T21:21:00.002+13:00

Fotografía tomada en diciembre de 2007

Nikon digital

Berlín-calles 1

2009-08-19T20:49:00.004+13:00

Fotografía tomada en diciembre de 2007

Nikon digital

Museo de Pérgamo- Puerta de Istar (detalle)

2009-08-19T11:10:00.003+13:00

Fotografía tomada en diciembre de 2007

Nikon digital

Museo de pérgamo (detalle) 3

2009-08-19T08:22:00.001+13:00

Fotografía tomada en diciembre de 2007
Nikon digital

Museo de Pérgamo (detalle) 2

2009-08-19T07:34:00.001+13:00

Fotografía tomada en diciembre de 2007
Nikon digital

Museo de Arte Ejipcio - Akenatón y Nefertiti

2009-08-19T07:09:00.001+13:00

Fotografía tomada en diciembre de 2007
Nikon digital

Museo de Pérgamo - Mosaico romano (detalle)

2009-08-19T06:44:00.004+13:00

Fotografía tomada en diciembre de 2007
Nikon digital

Museo de pérgamo (detalle)

2009-08-19T06:31:00.001+13:00

Fotografía tomada en diciembre de 2007

Nikon digital